Les compartimos el registro completo de todas los Retratos de críticos que se dieron en el marco de la 4ta Semana Mundial de la Cinefilia. ¡Compartan, difundan!

Como creemos que la cinefilia no se agota solo en ver películas, sino que los textos, la crítica y el debate son una parte indispensable de la experiencia, durante las mañanas de toda la semana tendremos un ciclo con entrada libre y gratuita. En esta edición, pensamos en que algunos de nuestros invitados nos presentaran los textos y secretos de sus críticos favoritos. A través de un método de escritura se puede entrever también lo que sostiene una mirada. Así que entre mirada y escritura estos críticos (y quienes hablan de ellos), nos propondrán nuevas perspectivas sobre el cine.

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La entrada Cuarta Semana Mundial de la Cinefilia – Retratos de críticos se publicó primero en La vida útil.

FUNCIÓN DE APERTURA

Hace muchos años, Jacques Tourneur anduvo por nuestras tierras filmando una libre adaptación del Martín Fierro que terminó llamándose Way of a Gaucho. Algunas escenas de ese gran western gauchesco fueron rodadas en el centro mismo de la ciudad de Córdoba, a pocas cuadras del cineclub Hugo del Carril (hogar físico y espiritual de la Semana de la cinefilia); así que se nos ocurrió que podíamos hacer de la ceremonia de apertura una pequeña máquina del tiempo y proyectar la película en el exacto lugar donde Tourneur emplazó su cámara más de 70 años atrás.

Way of a Gaucho (EEUU, 1952, Jacques Torneur, 95’)

SELECCIÓN OFICIAL: MAXIMALISMO MINIMALISMO

Cada edición de la Semana Mundial de la Cinefilia tiene una SELECCIÓN OFICIAL, segmento central del festival en el que cada uno de nuestros invitados participa con un programa doble armado especialmente para la ocasión y siguiendo una consigna específica que se modifica cada año. En esta ocasión, la premisa se titula «Maximalismo/Minimalismo». La idea es poder buscar líneas en común entre una película monumental, excesiva, grandilocuente, barroca, y otra que, por el contrario, sea simple, austera, sobria, modesta. Intentar poner en relación dos objetos que a priori parecen inconmensurables. La consigna es lo suficientemente ambigua como para que los resultados sean un poco escandalosos y sorpresivos.

Maui Alena presenta:

The Atomic Cafe (EEUU, 1982, Jayne Loader, Kevin Rafferty, Pierce Rafferty, 92’) 

Zerograd (URSS, 1988, Karén Shajnazárov, 103’) 

Nicolas Carrasco presenta:

El enemigo principal (Bolivia, 1973, Jorge Sanjinés, 103’) 

Vamos a matar, compañeros (Italia, 1970, Sergio Corbucci, 119’)

Eva Cáceres presenta:

The Train (EEUU, 1964, John Frankenheimer, 133’)

Les jours où je n’existe pas (Francia, 2002, Jean-Charles Fitoussi, 114’)

Lucía Salas presenta:

Lovers and Lollipops (EEUU, 1956, Morris Engel, Ruth Orkin, 82’)

Freak Orlando (República Federal de Alemania, 1981, Ulrike Ottinger, 126’)

FOCO HENRY KING

Las películas de Henry King no tienen nada que envidiarle a las de John Ford, Raoul Walsh o Nicholas Ray, por nombrar tan solo a unos cuantos de sus contemporáneos. Sin embargo, su obra permanece al costado de la historia del cine y a la sombra de aquellos grandes maestros (a pesar del propio Ford, que alguna vez dijo que The Song of Benardette era una de sus películas favoritas). Para remediar algo de esa injusticia, los invitamos a conocer ocho de sus obras maestras, un pequeño muestrario de su ingobernable humanismo. En palabras de Peter Von Bagh: «(…) King desarrolló un estilo elevado: lo percibimos en su manera de registrar las huellas más profundas que la belleza, la duda, el miedo, la decepción y las ilusiones naufragadas han impreso en la humanidad.»

Jesse James (EEUU, 1939, Henry King, 106’)

The Song of Bernardette (EEUU, 1943, Henry King, 156’)

The Gunfighter (EEUU, 1950, Henry King, 85’)

I’d Climb the Highest Mountain (EEUU, 1951, Henry King, 88’)

Love Is a Many-Splendored Thing (EEUU, 1955, Henry King, 102’)

The Bravados (EEUU, 1958, Henry King, 98’)

Beloved Infidel (EEUU, 1959, Henry King, 123’)

FOCO EL CUADRADO DE LA FORTUNA

Una sana costumbre que mantenemos desde la primera edición es la de armar ciclos y charlas alrededor de libros que nos hayan conmovido. Este año decidimos dedicarle un pequeño foco a «El cuadrado de la fortuna», singular libro-objeto basado en un documental-entrevista realizada por la cineasta Pascale Bodet (junto a su fiel colaborador Emmanuel Levaufre) a su amigo Michel Delahaye. De esta manera la selección de películas funciona como un complejo e inacabado retrato del multifacético crítico, su historia en Cahiers du Cinéma, su amor por algunos grandes maestros del cine y su lateral carrera como actor.

Le Carré de la fortune, Portrait (Francia, 2010, Pascale Bodet, 160’)

Gertrud (Dinamarca, 1964, Carl Th. Dreyer, 116’)

Simone Barbès ou la vertu (Francia, 1980, Marie-Claude Treilhou, 77’)

Le Petit Théâtre de Jean Renoir (Francia, 1970, Jean Renoir, 100’)

UNA LUZ REVELADA PRESENTA: FOCO NARCISA HIRSCH

En el contexto de las celebraciones por la salida de Una luz revelada de Pablo Marín, presentamos una selección de seis películas de Narcisa Hirsch, una de las figuras claves del cine experimental argentino. Veremos transfers recientemente hechos de algunas de sus películas menos conocidas, en las que se entrecruzan retratos, performances y su particular estilo diarístico.

Taller (Argentina, 1977, 10’)

Retrato de un artista como ser humano (Argentina, 1973, 16’)

Canciones napolitanas (Argentina, 1971, 10’)

Mundial (Argentina, 1978, 20’)

Seguro que Bach cerraba su puerta cuando quería trabajar (Argentina, 197?, 28’)

FOCO: MANUEL ROMERO

El año pasado La vida útil junto con Taipei y La tierra quema organizamos la Encuesta de Cine Argentino que tantas discusiones suscitó. Hubo sólo un consenso entre quienes la hicimos y la leyeron: los resultados serían diferentes si la historia de nuestro cine fuera menos desconocida y sus películas mejor conservadas. Tomando nota -y continuando una alianza que lleva ya tres ediciones- armamos con el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken un foco dedicado a Manuel Romero, uno de los grandes autores de la época dorada del Cine Argentino. Sus películas son comedias hechas a las apuradas que tienen la frescura de los actores, que se amontonan en el plano, se divierten al mismo tiempo que inventan un lenguaje; y la frescura de unos guiones que dejan de manifiesto las contradicciones de su tiempo de manera sorprendente e incluso tienen una cualidad profética de ciertos momentos de la historia por venir.

Mujeres que trabajan (Argentina, 1938, 77’) 16mm

Gente bien (Argentina, 1939, 85’) 16mm

Tres anclados en París (Argentina, 1938, 87’) 16mm

Elvira Fernández, vendedora de tienda (Argentina, 1942, 91’)

FILMOTECA EN VIVO

Hace más de 20 años que Filmoteca, temas de cine ocupa un lugar legendario para la cinefilia local. Fernando Martín Peña, quien lleva el programa desde su creación, junto a su fiel compañero Roger Koza (gran amigo y conocido de la revista), presentan todo tipo de películas. Desde rarezas de todas partes del mundo, pasando por trailers difíciles de conseguir, así como también rescatan películas argentinas que parecían inaccesibles. Por eso los invitamos a que trajeran su programa a la Sala Mayor del Cineclub y dijeran, sin pantalla de por medio: ¡Alegría sin fin!

L’occhio dietro la parete (Italia, 1977, Giuliano Petrelli, 85’) 35mm

Devochka ishchet otsa (URSS, 1959, Lev Golub, 85’) 35mm

The Howling (EEUU, 1981, Joe Dante, 91’) 35mm

FUNCIÓN ESPECIAL: CRIMES OF THE FUTURE

Gracias a MUBI podremos ver, por primera y única vez en Córdoba, la nueva película del gran David Cronenberg que vuelve al terror biológico en esta historia de transformación corporal cargada con debates oscuros y humorísticos sobre arte y mortalidad. Con las actuaciones de Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart, Crimes of the Future es una oda a la seducción de la carne.

Crimes of the Future (EE.UU, 2022, David Cronenberg,  107’

PELÍCULA DE CLAUSURA

José Miccio es nuestro invitado “vitalicio” a la Semana de la Cinefilia. Participó de la primera edición y a partir de ahí quisimos que volviera siempre. No sólo admiramos su erudición plebeya, sino que nos parece un gran conversador, así que encontramos diferentes maneras de tenerlo entre nosotros. Esta vez abrirá la semana con una charla titulada “Fuego Sagrado” (dicen que hay referencias al mundial) y también cerrará el festival con  Alligator, obra maestra de la clase B, western citadino donde el sheriff en vez de indios tiene que combatir un feroz animal descontrolado. 

Alligator (EEUU, 1980, Lewis Teague, 94’)

CICLO DE CHARLAS: RETRATOS DE CRÍTICOS

Como creemos que la cinefilia no se agota sólo en ver películas, sino que los textos, la crítica y el debate son una parte indispensable de la experiencia, durante las mañanas de toda la semana tendremos un ciclo. En esta edición, pensamos en que algunos de nuestros invitados nos presentaran los textos y secretos de sus críticas favoritas. A través de un método de escritura se puede entrever también lo que sostiene una mirada. Así que entre mirada y escritura estos críticos (y quienes hablan de ellxs), nos propondrán nuevas perspectivas sobre el cine. 

Frieda Grafe por Lucía Salas

Manny Farber por José Miccio 

Victor Iturralde por Paula Félix-Didier

Tadao Sato por Roger Koza

Homero Alsina Thevenet por Fernando Martín Peña

***

PROGRAMACIÓN DÍA X DÍA

Todas las funciones serán en la Sala Mayor del Cineclub Municipal salvo indicación: 

Miércoles 1/3

19:00 hs | en el Auditorio Fahrenheit
Charla de Apertura: “Fuego sagrado”
por José Miccio

20:30 hs. | en el Pasaje Santa Catalina 
Función de Apertura: Way of the Gaucho
(Jacques Tourneur, EE.UU./Argentina, 1952, 88’, digital) 

*

Jueves 2/3

11:00 hs | en el Auditorio Fahrenheit (función gratuita)
Le carré de la fortune, portrait
(Pascale Bodet y Emmanuel Levaufre, Francia, 2010, 155’, digital)
*Esta función también forma parte del ciclo de charlas “Retratos de críticos”

15:30 hs | Foco Henry King
Jesse James
(EE.UU., 1939, 106’, DCP)

18:00 hs | Foco “El cuadrado de la fortuna”
Gertrud
(Carl Theodor Dreyer, Dinamarca, 1964, 115’, DCP)

20:30 hs | Selección oficial por Maui Alena
Atomic Cafe
(Jayne Loader/Kevin Rafferty/Pierce Rafferty, EE.UU., 1982, 86’, DCP)

23:00 hs | Selección oficial por Maui Alena
Zerograd
(Karen Shajnazarov, URSS, 1988, 103’, DCP)

*

Viernes 3/3

11:00 hs | en el Auditorio Fahrenheit (actividad gratuita)
ciclo de charlas: Retrato de críticos
Frieda Grafe por Lucía Salas

15:30 hs | Foco Henry King
The Song of Bernadette
(EE.UU., 1943, 156’, DCP) 

18:00 hs | Selección oficial por Nicolás Carrasco
El enemigo principal
(Jorge Sanjinés, Bolivia/Perú, 1973, 98’, DCP)

20:30 hs | Selección oficial por Nicolás Carrasco
Vamos a matar, compañeros
(Sergio Corbucci, Italia/España/Alemania Occ., 1970, 110’, DCP)

23:00 hs. | Foco “El cuadrado de la fortuna”
Simone Barbès ou la vertu
(Marie-Claude Treilhou, Francia, 1964, 77’, DCP)

*

Sábado 4/3

11:00 hs | en el Auditorio Fahrenheit (actividad gratuita)
ciclo de charlas: Retrato de críticos
Manny Farber por José Miccio

15:30 hs | Foco Henry King
The Gunfighter
(EE.UU., 1950, 84’, DCP)

18:00 hs. | Selección oficial por Eva Cáceres
The Train
(John Frankenheimer, EE.UU., 1964, 133’, DCP)

20:30 hs. | Selección oficial por Eva Cáceres
Les jours où je n’existe pas
(Jean-Charles Fitoussi, Francia, 2002, 114’, DCP)

23:00 hs | Función especial auspiciada por MUBI
Crimes of the Future
(David Cronenberg, EE.UU, 2022, 107’, DCP)

*

Domingo 5/3

15:30 hs | Foco Henry King
I’d Climb the Highest Mountain
(EE.UU., 1951, 88’, DCP)

18:00 hs | Foco Narcisa Hirsch
Canciones napolitanas + Retrato de un artista como ser humano + Taller + Mundial + Seguro que Bach cerraba su puerta cuando quería trabajar
(Argentina, 1971/73/77/78/79, 10’+16’+10’+20’+28’) 
* Este programa forma parte de la presentación del libro “Una luz revelada” de Pablo Marín

20:30 hs | Selección oficial por Lucía Salas
Lovers and Lollipops
(Morris Engel y Ruth Orkin, EE.UU., 1956, 82’, DCP)

23:00 hs | Selección oficial por Lucía Salas
Freak Orlando
(Ulrike Ottinger, Alemania Occidental, 1981, 122’, DCP)

*

Lunes 6/3

11:00 hs | en el Auditorio Fahrenheit (actividad gratuita)
ciclo de charlas: Retrato de críticos
Víctor Iturralde por Paula Félix-Didier

15:30 hs. | Foco Henry King
Love Is a Many-Splendored Thing
(EE.UU., 1955, 102’, DCP)

18:00 hs | Foco “El cuadrado de la fortuna”
Le petit théâtre de Jean Renoir
(Jean Renoir, Francia, 1970, 100’, DCP)

20:30 hs | Foco Manuel Romero
Mujeres que trabajan
(Argentina, 1938, 77’, 16mm)

23:00 hs | Filmoteca en Vivo
L’occhio dietro la parete
(Giuliano Petrelli, Italia, 1977, 85’, 35mm)

*

Martes 7/3

11:00 hs | en el Auditorio Fahrenheit (actividad gratuita)
ciclo de charlas: Retrato de críticos
Tadao Sato por Roger Koza

15:30 hs | Foco Henry King
The Bravados
(EE.UU., 1958, 98’, DCP)

18:00 hs | Foco Manuel Romero
Gente bien
(Argentina, 1939, 85’, 16mm)

20:30 hs | Foco Manuel Romero
Tres anclados en París
(Argentina, 1938, 90’, 16mm)

23:00 hs | Filmoteca en Vivo
Devochka ishchet otsa
(Lev Golub, URSS, 1959, 86’, 35mm)

*

Miércoles 8/3

11:00 hs | en el Auditorio Fahrenheit (actividad gratuita)
ciclo de charlas: Retrato de críticos
Homero Alsina Thevenet por Fernando Martín Peña

15:30 hs | Foco Henry King
Beloved Infidel
(EE.UU., 1959, 123’, DCP)

18:00 hs | Foco Manuel Romero
Elvira Fernández, vendedora de tienda
(Argentina, 1942, 91’, 16 mm)

20:30 hs | Función de Clausura
Alligator
(Lewis Teague, EE.UU, 1980, 91’, DCP)

23:00 hs | Filmoteca en Vivo
The Howling
(Joe Dante, EE.UU., 1981, 91’, 35mm)

La entrada Cuarta Semana Mundial de la Cinefilia – Programación completa se publicó primero en La vida útil.

Por Lucía Salas

Una película hecha de / Traveling Light

Domingo 15 de marzo. A partir de hoy no se puede circular por las calles de Donostia, salvo lo estrictamente necesario. Después de la declaración de emergencia sanitaria en toda España por el aumento de casos de coronavirus solo podemos salir a comprar comida y remedios y al médico, si hace falta. Desde la semana pasada el número de amigos y conocidos con síntomas crece y crece. Nuestros compañeros de casa se fueron con sus parejas a hacer la cuarentena a Pamplona, y acá estamos, cocinando, leyendo y viendo películas. Nuestra salud y nuestras vidas laborales son una incógnita total, y tenemos todo el tiempo del mundo. 

A veces tengo suerte y las películas se describen solas entre ellas, como pasa con estas dos: Una película hecha de de Malena Solarz y Nicolás Zukerfeld y Traveling Light de Gina Telaroli. Lo que queda con los títulos juntos es algo así como una película hecha de luz que viaja, o una película hecha de viajar ligera.

La de Zukerfeld y Solarz está filmada en Super-8 y comienza en Vigo, Galicia, no muy lejos de acá. Las luces navideñas de Vigo son famosas porque son muy exageradas, tanto que el alcalde local le mandó un mensaje al de Nueva York diciéndole que las de Vigo le hacían competencia. En la película se ve que es cierto. Comienza con un personaje, Ángel, que espera a dos amigos, Malena y Nicolás. Bajo las luces del alcalde, Ángel piensa en hacer una película hecha de, y la frase no se termina en palabras sino que se vuelve materiales de los que ahora pasa a estar hecha esta película. Vistas, cuadros, noticias, registros, la producción de esos registros. Una película hecha de luz que viaja, desde afuera hacia adentro de la cámara de Super-8 que la registra, y en ese viaje da forma a las cosas que Malena y Nicolás vieron en su propio viaje. En la película se usa material sensible en blanco y negro y en color, lo que hace que se perciba aún más cómo es la luz que se posa y se refleja sobre todo, lo que hace que veamos. Después de un pequeño triunfo, escuchar la canción que Ángel quería poner en su película, y otra canción tocada en unas copas de cristal, él vuelve a aparecer entre las luces del alcalde, esperando todavía a sus amigos. Todo eso que vimos aparecer fue un sueño que tuvo despierto, mientras esperaba, o algo que vio entre esos focos tan brillantes (más que los de Nueva York), ese túnel de luz por el que entra una historia y sale otra, que tiene tanto brillo que quizás hasta le dio luz a todo lo demás. Al final la película vuelve a empezar. En este conjunto de independencias y dependencias que llamamos España son buenos con las luces de navidad. El año empieza completamente estrellado de luz blanca y, aunque siempre el año que viene es uno nuevo, se van acumulando cosas, como canciones y lugares, de lo que está hecha esta película. 

Traveling Light quizás también tiene tiene su canción, que no suena pero tiene el mismo título. La película sucede durante un viaje en tren desde Nueva York a Pittsburgh el 5 de febrero de 2010 entre las 10:52 am y las 7:36 pm. 

La palabra “light” en inglés cambia completamente de significado dependiendo de si se usa como sustantivo o como adjetivo. “Light” como adjetivo es ligera/o, mientras que como sustantivo es luz. En la película una se convierte en la otra. 

Viajar en tren es una forma de viajar ligera, más ligera que manejar o volar. No hay que mirar mapas, prestar atención o pasar controles de seguridad. El tiempo está completamente detenido. En la línea de trenes Amtrak, como el de la película, por lo general no funciona bien internet y no hay mucho que hacer. Viajar en tren es como una pequeña cuarentena voluntaria. De hecho, hay mucha gente que ya no viaja en tren para ir de A a B sino para estar en el tren y ver el paisaje exterior, por la ventana, y el paisaje interior, que es la gente alrededor. Muchos lo hacen para vivir uno, dos, tres días en los que no tengan nada que hacer más que mirar, escuchar y charlar con desconocidos. Salvo que uno tenga miedo a volar o solo pueda viajar así por cuestiones religiosas, la gente elige viajar en tren para suspenderse de la productividad.

El paisaje lumínico es lo que conecta al adjetivo con el sustantivo. La luz que sale de afuera y la luz que surge de adentro del tren dan cuenta constantemente del movimiento. Hay momentos de Traveling Light, como su primera secuencia, una especie de flashforward que termina con el título, en los que el ángulo entre la cámara y la ventana imitan el parpadeo y la luminosidad de un proyector de Super-8, que es un parpadeo un poco más lento y evidente que el de un proyector de 16 o 35mm porque por lo general se reproduce a 18 cuadros por segundo en vez de a 24. Las lámparas de los proyectores de Super-8 son más chicas y más tenues que las otras, y no llegan a alcanzar un tono puro de blanco en la proyección. Traveling Light es una película hecha en digital, pero su relación con la luz es tan variable que a veces parece estar filmada con distintos formatos. La luz va haciendo aparecer también algunos personajes y jugando con lo que podemos y no podemos ver de cada uno. Un reflejo en la ventana, el perfil de un rostro, el brillo en los labios y el pelo rubio de una chica que ve las vías desaparecer desde la ventana. La observación de la luz que se mueve termina generando una asimilación tan grande con la luz misma que hay planos en los que parece que las luces estuviesen controladas como si fueran personajes. De hecho al final hay un pequeño fantasma de luz verde que recorre la plataforma de la estación de Pittsburg una vez que los pasajeros se han ido. One last light light miracle. Un último milagro ligero de luz.

Ahora que estamos de cuarentena pienso en lo importante que es la persistencia de registrar en estas dos películas. Si la cuarentena nunca terminara igual quedarían las luces de Vigo, orgullo de Galicia, y las variaciones lumínicas en un viaje en tren de nueve horas en invierno, nieve incluida. Pero no es solamente eso, sino que aún más importante es crear pequeñas ficciones con esto, tan disueltas que casi no deberían llamarse ficciones sino movimientos, operaciones que salen de pensar en un grupo de materiales para transformarlos en un objeto, para que estos materiales dejen de ser potencialmente cualquier cosa (la idea de potencia en el cine a veces es un tanto arbitraria) y se transformen en lo que son ahora.

Tanto Nicolás Zukerfeld como Malena Solarz son redactores de La vida útil y amigos, hemos escrito de sus películas juntos y por separado, y pueden leerlos en números pasados y futuros de la revista (¡que aún está en preventa!). A Gina Telaroli no la conocemos en persona, pero sabemos que al igual que Malena y Nicolás es cinéfila y también archivista y crítica de cine.  Los tres trabajan sobre la historia del cine de muchas maneras, así que les dejamos, para esta cuarentena, algunas cosas hechas por ellos.

Una lista de materiales que Solarz y Zukerfeld nos hicieron cuando se estrenó El invierno llega después del otoño y una entrevista de aquella época feliz:

Vaudeville, de Malena:

https://www.cinemargentino.com/films/914988470-vaudeville

Y ahora elogiemos las películas, de Nicolás:

El invierno llega después del otoño, de ambos:

Tumblr con materiales que acompañan Traveling Light:

https://travelinglightmovie.tumblr.com/

http://www.elumiere.net/especiales/traveling/supplements.php

Este texto sobre el Festival de Nitratos del 2015:

https://mubi.com/notebook/posts/beggars-of-light-the-nitrate-picture-show-2015

Dossier Allan Dwan editado por Telaroli y Phelps

http://elumiere.net/especiales/dwan/indexdwan.php

Una guía a los ciclos de Republic Pictures de Martin Scorsese:

https://mubi.com/notebook/posts/a-guide-to-martin-scorsese-presents-republic-rediscovered

Con sus respectivos Image Essays:

https://republicpictures.tumblr.com/

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La primer película que vi en el BAFICI fue Inmortal de Homer Etminani, una película colombiana que forma parte de la competencia latinoamericana. Primero vemos unas imágenes de un enfrentamiento entre militares y otro grupo que no vemos pero que intuimos es uno guerrillero. Luego vemos a una chica que recibe un llamado de un hombre que encontró en el mar un cuerpo y que podría ser el de su novio muerto en combate.

Es una película mala y que rápidamente quedará en mi olvido, pero me sirve para pensar algunas cosas. En el cine industrial de nuestra región los personajes a los que les pasan cosas de películas son de clases medias altas y altas. Toda la peripecia de la acción trabaja su verosímil justificando que los personajes tienen dinero. En el cine no-industrial, históricamente el gesto viene siendo el contrario: hacer protagonistas a personas “comunes” que les pasan cosas “comunes”. Después de años de discusión sobre los vicios del cine clásico se fueron experimentando nuevas formas de mirar, ya que se trabaja en torno a la hipótesis de que las formas tradicionales no sirven para representar a las clases populares.

Este movimiento formal fue totalmente revolucionario en tanto cambió aquello que debía ser cambiado. Pero llegamos a un 2016 en que lejos de la experimentación en la forma, se empieza a cristalizar un modo de acercarse a las clases populares desde la representación. Inmortal tiene todas estas características: hay no-actores, hay una narrativa donde el argumento no es lo principal, hay personajes no-ricos y de clases populares, hay planos largos, hay híbrido ficción-no ficción, hay registros del rodaje. Creo que todas estas características están muy lejos de esa primera voluntad transformadora. La distancia ya no es un posicionamiento político que aporta claridad en la mirada, sino una decisión que aparece como una obediencia a normas preestablecidas de que así se debe filmar a grupos de estas características. Al final, de tan modernos que quieren ser, terminan siendo los más conservadores. (Hablo en plural porque esto es una tendencia en el cine de nuestra región).

Es distinto el caso del documental Implantación, de Sol Bolloqui, Fermín Acosta y Lucía Salas, filmado en Lugano 1 y 2. En Implantación no hay distancia sino que por el contrario construyen un relato sobre distintas formas de habitar un barrio desde un lazo muy afectivo. Todas las situaciones que muestran las “pasaron por el corazón” y se nota. Espero que el lector no me juzgue por este giro progre de lector de Galeano, pero en días en que hasta se impulsa un golpe de estado en la región, la posibilidad de seguir acumulando capital simbólico no debe ser despreciada.

Una de las características más relevantes de la película es que en casi todo lo que vemos no hay una persona sola sino que hay varias. Los “new age” y los anti-materialistas dicen que el sujeto actual no puede encontrarse con los demás porque está muy metido en sí mismo y que por alguna falta espiritual es imposible la comunicación. No estoy de acuerdo. Es cierto que algunas lógicas del capitalismo nos hacen más individualistas, pero ahí está Implantación como una prueba de la resistencia inconciente que sigue caracterizando a las clases populares. En Implantación las personas se encuentran y vemos que incluso la pasan bien. El momento de la fiesta popular en el club es genial: lo que podía ser el registro de una fiesta social, termina funcionando como la potencia de la comunidad. El único momento en soledad que recuerdo es el del Chueco con Eco, el rapero que hace la canción del final que está buenísima, en el que expone justamente su tesis sobre la comunicación y el encuentro.

Aunque ya sé que el cine es una construcción, que es artificio, que hay manipulación y todo eso, sigo pensando que hay verdades en el cine. Capaz lo de pedazo en bruto de realidad era exagerado, pero qué lindo pensar en que la verdad relativa que tiene cada uno puede llevarse a una imagen. Pienso ahora en los besos y abrazos a la niña que cumple siete años, en que son tan de verdad que no puede volver a decirse algo negativo sobre la humanidad sin hacer la salvedad de que en Implantación las cosas no son tan así.

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