Por esto, desde la revista La Vida Útil y el Cineclub Municipal Hugo del Carril queremos celebrar nuevamente la Semana Mundial de la Cinefilia. Una actividad cultural y educativa en la que por ocho días cinéfilos de distintas partes del país y del mundo compartirán sus películas, sus ideas y sus historias con toda la comunidad cordobesa.

Organizado por la revista de crítica cinematográfica La Vida Útil, el Cineclub Municipal Hugo del Carril y su Asociación de Amigos. Con el apoyo del Instituto Italiano de Córdoba y la Cineteca Nacional de Chile.

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SELECCIÓN OFICIAL 

UTOPÍAS Y DISTOPÍAS

La Selección Oficial de la Semana Mundial de la Cinefilia es un segmento en donde no programamos películas, sino personas. Críticos y cinéfilos que respetamos y que creemos que pueden abrirnos a nuevos lugares y percepciones. En cada edición les damos una especie de consigna, en relación a nuestras ideas y obsesiones del momento. En este caso, los invitamos a que nos traigan ideas sobre el futuro, ya sea en su variante optimista como en la pesimista. Utopía/Distopía es la dinámica de esta edición: se habla mucho sobre la falta de imaginación de nuestra época o, peor, de cómo la idea de futuro está tomada por otros. Esta es nuestra manera de indagar en estos problemas, de una manera quizás demasiado ambiciosa, pero ¿para qué estamos si no?

Este año nos acompañan Lucía Requejo, crítica de cine y editora argentina, a quien pueden leer en Con los ojos abiertos, Página 12 y, a veces tenemos la suerte, en La Vida Útil; Diego Cepeda, crítico de cine y programador dominicano a quien recordarán por el gran mapa de cine caribeño que ensambló para el número 6 de la revista; Hector Oyarzún, crítico de cine, programador y profesor chileno (dicen que uno de los más queridos de los estudiantes de cine de Santiago y Valparaíso); y Malena León, nuestra filósofa de confianza, parte del colectivo de programación del histórico cineclub cordobés La Quimera.

SELECCIÓN DE LUCÍA REQUEJO

Utopía: Idilio (Osvaldo David, Argentina, 1971, Digital, 10’) + La mujer de nadie (Adela Sequeyro, México, 1937, Digital, 82’)   JUE 7/5, 17:00 hs.

Un día de verano, un hombre y una mujer viajan en un tren bajo la aparente igualdad que impone la condición de pasajero. El calor, condición adversa, los desiguala: soporiza y desespera más a la mujer por mujer. El hombre con el que comparte el vagón en Idilio reacciona de forma imposible: la alivia. Se pone, por un momento, a su servicio. Ana María, la protagonista de La mujer de nadie, tiene girando a su alrededor a tres hombres creadores: un pintor, un músico y un poeta, cuando cae de sopetón en la casa que comparten. Herida, su sola presencia desintegra el compañerismo de los artistas, y se entretiene bucólicamente pasándoselos de mano en mano, haciéndolos morisquetear, en la primera película sonora mexicana dirigida por una mujer. Un melodrama fantasioso sobre una experiencia interior. 

Distopía: El empleo (Eva Landeck, Argentina, 1970, Digital, 25’) + La fallecida (Leon Hirszman, Brasil, 1965, Digital, 90’).   JUE 7/5, 19:00 hs.
Inés busca trabajo en una supuesta tierra prometida que la rechaza, burlándose de ella. El ascenso social la persigue en forma de pasado con una imagen que vuelve y vuelve; mientras sube y baja escaleras persiguiendo la zanahoria prometida, lo que logra es alejarse cada vez más de lo real. Hay tiempo en El empleo para imaginar un viaje en subte que prometa una tangente fantasiosa, pero la salida imaginaria a la superficie a respirar delirio no salva a nadie. La única huída posible es hacia un sitio sin dolor. Con eso también sueña Zulmira en A Falecida, con morirse de una buena vez por todas, para huir de la pobreza y de su marido vago y futbolero que no soporta sus delirios. Para eso, hay que alucinar con intentar rozar algo de la gloria que le fue negada: una enfermedad tremebunda, un funeral a todo culo. El éxito como ilusión imposible, el fracaso moderno como enloquecedor natural.

SELECCIÓN DE DIEGO CEPEDA

Utopía. Películas perfectas: Ese humo y su historia (Oscar Torres, Repúbica Dominicana, 1963, 5’) + La mancha de sangre (Adolfo Best-Maugard, México, 1937, 70’).  VIE 8/5, 17:00 hs.

Como escribió María Negroni: Una isla, podría decirse, es lo que queda cuando todo se ha perdido. Un museo personal que trae lo muerto de sí a un diorama viviente. Un resabio de algo olvidado que se organiza a partir de una huella. Quizás el cine fue siempre esa isla ruinosa. Su historia está repleta de películas inacabadas, censuradas o mutiladas que delinean mapas fantásticos. Uno de esos mapas lo encontramos en los descartes de una película dirigida por Oscar Torres titulada Ese humo y su historia (1963), que aparentaba ser un anuncio publicitario para una fábrica de cigarrillos. Perseguido y exiliado durante la dictadura de Trujillo, este crítico de cine se formó como cineasta en Italia, trabajó en la División de Educación de la Comunidad en Puerto Rico y, más tarde, en el contexto del primer cine revolucionario en Cuba. Nunca pudo filmar las películas que planeaba para su país. Sin embargo, esta película huérfana, que se encontró en la Library of Congress en 2024, esconde un proyecto utópico que excede el encargo de su realización: filmada en República Dominicana, se compone de ilustraciones que narran el proceso colonial, un libro con las décimas de un poeta dominicano, los campos de la región del Cibao, un hombre y una mujer multiplicados por espejos y fumando, créditos que apuntan hacia una narración en off y canciones que nunca escuchamos, así como todo un despliegue de material fílmico, perforaciones, rayaduras y mensajes secretos que unen estos vestigios.

El humo también estará presente en La mancha de sangre (Adolfo Best Maugard, 1937), otra ruina que amontona la vida nocturna, el quehacer y las emociones en un cabaret. Trazando un diálogo entre el cine de vanguardia y anticipando el neorrealismo, la película sobrevive de manera incompleta: uno de sus rollos no tiene sonido y el último no tiene imagen. Prohibida por el gobierno de Lázaro Cárdenas, y con unos pocos días de exhibición en 1943, se dio por perdida hasta su recuperación parcial en 1993. Imperfecta y fragmentada, como la historia de amor que retrata (entre una dama de salón y un joven de provincias), la película manifiesta en su interior su carácter más obstinado. No es casualidad que su director, un pintor mexicano, hubiera colaborado años antes con Sergei Eisenstein en ¡Que viva México!, otro de esos tantos mapas inacabados del cine.

Distopía. Futuros imperfectos. Fantasía urbana (El Grupo Tres, 2025, República Dominicana, 5′) + El complot de Aristóteles, (Jean Pierre Bekolo, 1996, Camerún, 72′)
Desde Camerún hasta la República Dominicana, las películas de esta sesión exploran y cuestionan cómo ese otro país llamado “Cine” les ha enseñado desde hace mucho tiempo a ver el mundo y a imaginar sus historias. A medio camino entre la ficción distópica y el ensayo metacinematográfico, El complot de Aristóteles (Jean Pierre Bekolo, 1996) nos presenta a E.T. (Essomba Tourneur), un cineasta que regresa a su país, pero ya no lo entiende: las historias de Hollywood y las películas de acción han reemplazado a la realidad. Un grupo de gánsteres cinéfilos, bajo el mando de un líder llamado “Cinema”, se ha apoderado del Cinema África. En esta sala de cine se venera a Nikita, Van Damme, Stallone, Bruce Lee y Schwarzenegger, y se rechaza todo el cine nacional. Tourneur tendrá entonces que vengarse tanto en la teoría como en la práctica. Quedará por ver si lo que cada personaje entiende por “cine” no vino del extranjero, sino que ya existía en el continente, mucho antes de que Aristóteles sentara las bases de la dramaturgia occidental. Por otro lado, Fantasía Urbana (El Grupo Tres, 2025) se presenta como un objeto perdido en el tiempo, dentro del laberinto histórico del cine caribeño. Después de una jornada laboral llena de trucajes fantásticos, un grupo de hadas del cine primitivo dominicano regresa cansado a la ciudad de Santo Domingo para tomarse una cerveza en un colmado. Mientras que la película de Bekolo respondía a un encargo del British Film Institute para celebrar los primeros 100 años del cine, la de El Grupo Tres surgió de un taller universitario impartido por Pablo Marín en la Carrera de Cine de Chavón, La Escuela de Diseño. Ambas pretenden, a su manera, jugar al país del “Cine”, haciendo bailar su historia sin concesiones.

SELECCIÓN DE HÉCTOR OYARZÚN

Utopía: The Tender Game (Faith y John Hubley, EE. UU., 1958, Digital, 6’, AM18)

+  Matinée (Jaime Humberto Hermosillo, México, 1977, Digital, 96’, AM18)  LUN 8/5, 17:00 hs. 

La síntesis extrema de la canción de amor y la digresión interminable de la ficción infantil. Dos películas en las que el deseo de alterar el orden impulsa a dos parejas. En The Tender Game, una florista y un barrendero coquetean alrededor de las palabras de «Tenderly», en voz de Ella Fitzgerald: “The evening breeze caressed the trees, tenderly. The trembling trees embraced the breeze, tenderly. Then you and I came wandering by and lost in a sigh were we”. La reciprocidad, ese juego de la ternura, es diseñada por Faith y John Hubley aprovechando las particularidades de la animación: desarman los cuerpos y desafían la física para dar forma al coqueteo. Jorge y Aarón, por su parte, preparan su viaje a Ciudad de México (a la que llaman siempre “México”, a secas) al día siguiente de ser sorprendidos intentando colarse al cine en horario escolar. Como les prohíben entrar a la función de matinée, comienzan a vivir en una película. El deseo de aventura los lleva a gozar de su propio secuestro y a unirse a una pandilla de tiernos ladrones. 

Distopía: Panorama de Santiago (Carlos Altamirano, Chile, 1981, Digital, 7’, AM18) + Pinochet y sus tres generales (José María Berzosa, Chile, 1977/2004, Digital, 100’, AM18) LUN 11/5, 19:30 hs. 

Pinochet fue siempre un pésimo orador. Su omnipresencia radial y televisiva se lo recordó al país durante casi dos décadas. Incluso en la “interna” militar, algunos altos mandos miraban con recelo que un hombre aparentemente poco inteligente estuviese al mando. Pese a ello, las aspiraciones intelectuales del dictador eran bastante conocidas: le gustaba presumir de su biblioteca y fue autor de una serie de libros que, con el tiempo, se demostraría que eran plagios. Pinochet y sus tres generales comenzó a rodarse en 1976 a partir de un engaño de Berzosa, documentalista español de izquierda, quien consiguió acceso directo a la intimidad de Merino, Mendoza, Leigh y Pinochet. Los cuatro integrantes de la Junta se entusiasman ante la posibilidad de exhibir sus intereses ante la televisión europea, exagerando sus inseguridades y posando como intelectuales frente a cámara. El resultado es una comedia involuntaria y, a la vez, una de las películas más elocuentes sobre los peligros reales de la estupidez. Panorama de Santiago, el cortometraje precedente, muestra a Carlos Altamirano corriendo cámara en mano desde el Museo de Bellas Artes a la Biblioteca Nacional en un solo plano. ¿Qué se puede filmar y cómo se participa del cine mientras gobiernan Pinochet y sus tres generales? 

SELECCIÓN DE MALENA LEÓN

Utopía: El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread, EE. UU., 1934, Digital, 80’, AM18)  MAR 12/5, 17:00 hs.

Para pensar las cosas más complejas puede servir ponerlas en términos ridículamente simples. Un cuadrado de tierra; mujeres y hombres que saben hacer distintos trabajos; un fondo común; algunas reglas; un destino compartido. ¿Qué será lo más bello que puede hacer un ser humano? ¿Escribir un poema? ¿Componer una melodía? ¿Inventar una máquina? No, no y no. Lo más bello que puede hacer un ser humano es agarrar un pico y una pala y convertirse en una pequeña parte de un organismo superior, que se desplaza paso a paso por el campo con la cadencia de un ciempiés gigante. Cavar y cavar hasta que la tierra seca se transforme en delta del agua que viene a saciar la sed y a prometer futuro. Hacerlo como si se peleara por la propia vida. Hacerlo incluso con más fuerza, porque se está peleando por algo más grande que uno: por un nosotros. Volver, entonces, a escenarios ridículamente simples. Capaz no sirvan para entender de economía, pero sí para acomodar el corazón.

– Metal y melancolía (Metaal en melancholie, Heddy Honigmann, Perú/Países Bajos, 1994, Digital, 80’, AM18)  MAR 12/5, 19:00 hs.

Unos astronautas caen en una luna completamente sucia. Deben conducir sus cápsulas azules, rojas y amarillas esquivando cráteres, robos violentos y pequeños zombies que piden limosna. Luego de lamer un letrero para pegar en el vidrio frontal (e indicar que están de servicio), trabajan ocho horas, diez horas, doce horas. Los conductores son ingenieros, que reparan y rediseñan lo roto, y también son navegantes, que llevan las historias de un lugar a otro. Los mandatarios propios se alían con la opresión extraterrestre. Los cadáveres pueden reposar a la vista y ser muy chiquitos. Con todo, la memoria conserva un dulce y feliz fulgor. La pregunta es si existe en el presente y en el futuro un rincón para esa misma mirada. (Ellos parecen creer que sí).

NOCHES ITALIANAS – FUNCIONES DE APERTURA Y CLAUSURA

El fascismo es un circo de mierditas y cobardes. Ese es el diagnóstico de Luigi Zampa en 1962, durante la estación caliente del Milagro Económico. Gli anni ruggenti transcurre en 1935. Un vendedor de seguros romano (Nino Manfredi, en la cumbre de su máscara inocentona) llega a un pueblo de la Puglia justo cuando los pequeños hombres fuertes del lugar esperan el arribo de un inspector que, según se rumorea, viaja de incógnito con el fin de evaluar el funcionamiento del régimen. Hay que actuar los ideales. Hay que hacer como si la gloria fascista no fuera mezquindad, interés y ventajeo. ¿Les suena?

Maldición eterna al cinéfilo que pudiendo ver Tutti a casa en la clausura de la Semana decide hacer otra cosa. Ni “Mañana tengo un examen”, ni “Es el cumpleaños de mamá”, ni “Juega la B”: Alberto Sordi, Luigi Comencini, los apellidos con nombre de ciudad, la guerra, la polenta, el camino, la picazón de la conciencia. Estamos en septiembre de 1943. Luego del armisticio, que provoca un caos en las filas militares italianas, un oficial del ejército y tres subordinados deciden vestirse de civil y regresar a sus casas. Vuelven como Ulises plebeyos a sus Ítacas sin Troya ni heroísmo pero enfrentan sus propios Cíclopes y sus propias Sirenas. Estas últimas tocan el hit “No quiero implicarme”, que Sordi había cantado tantas veces. ¿Resistirá nuestro antihéroe la dulce melodía? Hay que ver Tutti a casa, amigos. No existe otro modo de decirlo. Así de perentorias pueden ser las obras maestras.

José Miccio

– Los años rugientes (Gli anni ruggenti, Luigi Zampa, Italia, 1962, Digital, 106’, AM18) MIÉ 6/5, 20:30 hs.. 

– Regreso a casa (Tutti a casa, Luigi Comencini, Italia, 1960, Digital, 122’, AM18)  MIÉ 13/5, 22:00 hs.. 

Programación por José Miccio, con el apoyo del Istituto Italiano di Cultura di Córdoba.

CHARLAS: MOMENTOS ESTELARES DE LA HUMANIDAD

Este año nuestro querido Cineclub Municipal Hugo del Carril cumple 25 años. Con motivo de este festejo y de la reedición de La mirada cinéfila, el libro de Daniela Kozak sobre la revista Tiempo de Cine, editado por Taipei, decidimos hacer un ciclo de charlas por las mañanas en las que distintas personalidades nos hablarán de un momento estelar de la humanidad en clave cinéfila en el que un evento, un momento, una disputa, un libro haya cambiado (aunque sea de manera minúscula) la historia del cine como la conocemos. El ciclo comenzará con la presentación de esta nueva edición del libro de Kozak que además de su trabajo original trae una selección de textos de Tiempo de Cine, a cargo de la autora y una de las editoras de Taipei, Milagros Porta. Luego tendremos historias a cargo de Paula Félix-Didier, Fernanda Alarcón, Victor Guimarães, Héctor Oyarzun, Diego Cepeda, Maui García Alena y Martín Emilio Campos.

– Presentación del libro La mirada cinéfila, con Daniela Kozak y Taipei  JUE 7/5, 11:00 hs.. 

– Momentos estelares de la humanidad, parte 1, charla colectiva  LUN 11/5, 11:00 hs.. 

– Momentos estelares de la humanidad, parte 2, charla colectiva  MAR 12/5, 11:00 hs.

FOCO ALLAN DWAN

Allan Dwan es un nombre insoslayable para entender la evolución del cine clásico estadounidense. Con una trayectoria que abarca medio siglo y más de 400 películas, Dwan atravesó todas las mutaciones de la industria —desde los rudimentos del cine mudo hasta el ocaso del sistema de estudios—. Ingeniero de formación, trasladó a la pantalla una puesta en escena basada en el dinamismo del espacio y el movimiento, convirtiéndose en un maestro de la narrativa invisible.

​Este recorrido permite observar la vigencia de su estilo en contextos muy diversos: desde la inventiva rítmica de su período mudo con Stage Struck (1925), hasta la madurez de sus trabajos de los años 50 como Slightly Scarlet, Tennessee’s Partner y Woman They Almost Lynched. Como señala el crítico Miguel Marías, la obra de Dwan posee una “belleza que nace de la estricta funcionalidad”, donde no existe el artificio gratuito ni el plano innecesario. Su cine no busca la grandilocuencia, sino una claridad absoluta que revela a un autor capaz de organizar el mundo dentro del encuadre con una honestidad técnica radical.

​Esta selección rinde homenaje a este “último pionero”, cuya mirada transformó el oficio cinematográfico en una lección permanente de estilo. A través de estas obras, redescubrimos a un cineasta que logró que la complejidad del lenguaje —ya sea en la gestualidad del silencio o en el uso expresivo del color— se integrara sin estridencias en el relato, consolidando una obra que, por su modernidad silenciosa, sigue interpelando a la cinefilia contemporánea.

– Oro y sangre (Tennessee’s Partner, EE.UU., 1955, Digital, 87’, AM18)   JUE 7/5, 15:00 hs.

– Sombra de la horca (Women They Almost Lynched, EE. UU., 1953, Digital, 87’, AM18)  VIE 8/5, 15:00 hs.
– De la cocina al escenario (Stage Struck, EE. UU., 1925, Digital, 70’, AM18)  DOM 10/5, 15:00 hs.

– Piedra de escándalo (Slightly Scarlet, EE. UU., 1956, Digital, 99’, AM18)  LUN 11/5, 15:00 hs. 

FOCO HOMERO MANZI

Nacido en Añatuya, provincia de Santiago del Estero, Homero Manzi nunca olvidó sus raíces, aunque toda su carrera se desarrolló en Buenos Aires, donde vivió el resto de su vida. Esa frontera entre el campo y la cultura urbana también recorre parte de su obra como forma de dar cuenta de la tensión y la riqueza propias de la Argentina. En el cine, esa tensión dio grandes resultados e incluso le imprimió una épica particular durante el período clásico. Autor de letras de tangos y milongas desde los años 20, en 1937 comienza su carrera como guionista, marcando un terreno de intereses temáticos y estéticos que lo hicieron coincidir con quienes fundaron Artistas Argentinos Asociados, una productora en forma de cooperativa que participaba de la misma gesta de un nacionalismo popular que casi no encontraba lugar en la industria.

Siempre que se habla de Manzi se repite que experimentó la disyuntiva entre ser hombre de letras o hacer letras para los hombres y que, por supuesto, eligió esto último. Su elección estuvo signada por el profundo convencimiento de que en la raíz de una nación y del sentimiento patrio está la cultura popular. El cine fue importante para varios escritores que fueron sus contemporáneos, como Horacio Quiroga, Nicolás Olivari, Roberto Arlt y Jorge Luis Borges. Para todos ellos, como para Manzi, las películas marcaron búsquedas distintas en su obra e incluso modernizaron sus personalidades literarias. En el caso de Manzi, además, su rol como letrista lo hizo acercarse más al cine sonoro, que desde el inicio necesitaba nutrirse de canciones, aunque su educación sentimental fue el cine mudo.

Diego Trerotola, Cine argentino. Hechos, gente, películas. 1869-1958

Con el apoyo del Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken y la Filmoteca Buenos Aires

– Charla: Introducción a Homero Manzi por Fernando Martín Peña  VIE 8/5, 11:00 hs.  

– Con el dedo en el gatillo (Luis Moglia Barth, Argentina, 1940, 16mm, 84’, AM18)  JUE 7/5, 22:00 hs.

– La guerra gaucha (Lucas Demare, Argentina, 1942, 16mm, 95’, ATP)  SÁB 9/5, 15:00 hs.

– Eclipse de sol (Luis Saslavsky, Argentina, 1943, 16mm, 84’, AM18)  SÁB 19/5, 19:00 hs

DIVAS DE LA COMEDIA ARGENTINA

Este ciclo propone un recorrido por la era dorada de la comedia argentina, centrando la mirada en cuatro figuras fundamentales que definieron el ritmo y la identidad del género en la pantalla grande: Tita Merello, Olinda Bozán, Mirtha Legrand y Paulina Singerman. A través de una selección de títulos emblemáticos, exploramos cómo estas actrices, verdaderas arquitectas de la sensibilidad cómica nacional, construyeron personajes que oscilan entre la picardía popular, la sofisticación urbana y la réplica ingeniosa.

Copias en 16mm cortesía del Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken y la Filmoteca Buenos Aires

– La doctora quiere tangos (Alberto de Zavalía, Argentina, 1949, 16mm, 90’, AM18). Con Mirtha Legrand.  SÁB 9/5, 17:00 hs.  

– Caprichosa y millonaria (Enrique Santos Discépolo, Argentina, 1940, 16mm, 75’, AM18). Con Paulina Singerman.  LUN 11/5, 22:30 hs.

– Hay que educar a Niní (Luis César Amadori, Argentina, 1940, 16mm, 95’, AM18). Con Niní Marshall.   MIÉ 13/5, 15:00 hs.  

– La danza de la fortuna (Luis Bayón Herrera, Argentina, 1944, 16mm, 86’, AM18). Con Olinda Bozán.  MIÉ 13/5, 17:00 hs.  

FICCIONES HISTÓRICAS

Un pequeño ciclo para reflexionar sobre cómo el cine latinoamericano construye una tensión entre imaginar y recuperar su historia, especialmente aquella que existió mucho antes de poder ser capturada por la imagen en movimiento.

– Wara Wara (José María Velasco Maidana, Bolivia, 1930, Digital, 64’, AM18)  DOM 10/5, 20:30 hs.  

– El techo de la ballena (Raúl Ruiz, Países Bajos, 1982, Digital, 90’, AM18). Película del Archivo de la Cineteca Nacional de Chile.  MAR 12/5, 15:00 hs.  

– Los conspiradores (Os Inconfidentes, Brasil, 1972, Digital, 100’, AM18)  MIÉ 13/5, 19:00 hs.  

ESTRENO ESPECIAL

Hay películas y hay acontecimientos. Y después está la premiere argentina de ICK, lo nuevo de Joseph Kahn: una explosión pensada para vivirse en sala, en grupo, con la energía al máximo.

Kahn, figura inclasificable que viene tensando los límites entre cultura pop, exceso formal y comentario contemporáneo, lleva aquí esa búsqueda a un punto de combustión. ICK es una descarga de ritmo vertiginoso, imágenes saturadas y desvíos constantes, donde el relato muta, acelera y vuelve a empezar sin perder nunca el pulso. La historia sigue a un grupo de personajes enfrentados a una amenaza viscosa y en expansión que irrumpe en la vida cotidiana y lo contamina todo, empujando la acción hacia un terreno cada vez más desquiciado.

Pantalla grande, volumen alto: una función para entregarse al vértigo y dejarse arrastrar. ¡Será una fiesta!

–  ICK (Joseph Kahn, EE. UU., 2025, Digital, 93’, AM18)  MAR 12/5, 22:30 hs.

TRASNOCHES ETERNAS

La trasnoche de la Semana de la Cinefilia propone un recorrido tan eléctrico como imprevisible: tres películas que, desde geografías y tonos muy distintos, comparten una misma pulsión por tensar los límites del género y de la representación. Tres formas del desvío, tres maneras de pensar el crimen, la violencia y su puesta en escena. Una maratón para entregarse al vértigo de la trasnoche, donde el cine deja de ser refugio para convertirse en experiencia.

Programadas por Maui García Alena, Nicolás Carrasco y Leonardo Bomfim.

– El mercader del terror (Experiment in Terror, Blake Edwards, EE. UU. Digital, 123’, AM18)

+ Los guardianes (The Spook Who Sat by the Door, Ivan Dixon, EE. UU., 1973, Digital, 102’, AM18)

+ Strangler vs. Strangler (Davitelj protiv davitelja, Slobodan Sijan, Yugoslavia, 1984, Digital, 96’, AM18)  SÁB 9/5, 22:00 hs.

ESPECIAL CINE MUDO

Para completar una jornada (la del domingo 10) a puro cine mudo, decidimos complementar la programación habitual con dos programas con películas silentes de espíritu fascinante. 

– Programa de cortos de slapstick experimental: Unrolling Event (Paul Sharits, EE. UU., 1965, 1’), Sidewalks (Marie Menken, EE. UU. 1966, 7’), Edgardo (Narcisa Hirsch, Argentina, 1967, 5’), A and B in Ontario (Hollis Frampton y Joyce Weiland, Canadá, 1984, 15’, ), Boston Steamer (Friedl vom Gröller, Austria, 2009, 3’), Sub Rosa (Robert Withers, EE. UU. 1975/2019, 22’)  DOM 10/5, 17:00 hs.

– Dans la nuit (Charles Vanel, Francia, 1930, Digital, 75’, AM18)  DOM 10/5, 22:30 hs.

PEÑA SIN CADENAS

Hace años que Fernando Martín Peña es en diferentes lugares e instituciones uno de los animadores de la cinefilia en Buenos Aires, con proyecciones en fílmico de películas de su acervo. En Hasta Trilce propone una experiencia particular: dos proyecciones sorpresa pero secretas, y quien vaya no podrá revelar qué ha visto a riesgo de que una maldición caiga sobre él. En esta Semana hará lo mismo pero en nuestro querido Cineclub. Una cita imperdible, que incluirá la proyección de una película muda en 35mm.

Con el apoyo de la Filmoteca Buenos Aires

VIE 8/5, 22:30 hs.

DOM 10/5, 18:30 hs.

Día por día

Todas las actividades son en la Sala Mayor del Cineclub Municipal, salvo que se especifique lo contrario.

Miércoles 6/5

19:00 hs. 

CHARLA DE APERTURA en el Istituto Italiano di Cultura (Ayacucho 131)

“Sala Mayor”, por José Miccio

20:30 hs.

FUNCIÓN DE APERTURA – NOCHES ITALIANAS

Los años rugientes

(Gli Anni Ruggenti, Italia, 1962, Digital, 106’, AM18)

Dirección: Damiano Damiani. Con Nino Manfredi, Gino Cervi.

Apulia, 1936. Entre las autoridades locales del partido fascista se corre la voz de que llegará de Roma un funcionario de incógnito para auditar su actividad. Su preocupación para que no se descubran sus chanchullos desencadena una serie de equívocos.

Con el apoyo del Istituto Italiano di Cultura di Córdoba

Jueves 7/5

11:00 hs. en el Auditorio Fahrenheit

Presentación del libro La mirada cinéfila, charla con Daniela Kozak (autora) y revista Taipei.

15:00 hs.

FOCO ALLAN DWAN

Oro y sangre

(Tennessee’s Partner, EE .UU., 1955, Digital, 87’, AM18)

Dirección: Allan Dwan. Con John Payne, Ronald Reagan.

Un tahúr y un pistolero forman una pareja invencible que nadie consigue derrotar, pero llega un momento en que tendrán que enfrentarse entre sí por causa de una mujer.

17:00 hs.

SELECCIÓN OFICIAL: UTOPÍAS POR LUCÍA REQUEJO

Idilio

(Argentina, 1971, Digital, 11’, AM18)

Dirección: Osvaldo David. Con Norma Ricotti, José Morette.

Adaptación de un cuento de Guy de Maupassant recuperada por el Instituto de Cinematografía de la Universidad Nacional del Litoral.

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La mujer de nadie

(México, 1937, Digital, 82’, AM18)

Dirección: Adela Sequeyro. Con Adela Sequeyro, Mario Tenorio.

Tres bohemios rescatan a Ana María de su padrastro abusivo. Ella vive castamente con ellos por gratitud. Con el tiempo, surge amor entre ella y Marcelo, sin importar el dolor de sus amigos.

19:00 hs.

SELECCIÓN OFICIAL:DISTOPÍAS POR LUCÍA REQUEJO

El empleo

(Argentina, 1970, 25’, AM18)

Dirección: Eva Landeck. Con Irene Morack, Carlos Antón.

Inés recibe el aviso de una vacante a cubrir con urgencia en una empresa. Parte en el acto, pero el subte sufre un desperfecto y ella debe continuar el trayecto a pie por el oscuro túnel. Sin advertirlo, entra en una aventura de ribetes extraordinarios. 

+

La fallecida

(A Falecida, Brasil, 1965, 90’, AM18)

Dirección: Leon Hirszman. Con Fernanda Montenegro, Paulo Gracindo.

Zulmira es ama de casa, se siente atrapada en un matrimonio chato donde no existe lugar para el afecto debido al carácter amargado de su marido. Su esposo, desempleado, está preocupado únicamente por seguir las andanzas del Vasco da Gama y por jugar al billar en bares de mala muerte. Zulmira se obsesiona con la muerte, quiere un entierro de primer nivel e incluso se compra un ataúd lujoso de antemano.

22:00 hs.

FOCO HOMERO MANZI

Con el dedo en el gatillo

(Argentina, 1940, 16mm, 84’, AM18)

Dirección: Luis Moglia Barth. Con Sebastián Chiola, Alita Román.

La historia de un delincuente revolucionario perseguido por la policía.

Viernes 8/5

11:00 hs. en el Auditorio Fahrenheit

Introducción a Homero Manzi, charla abierta de Fernando Martín Peña.

15:00 hs.

FOCO ALLAN DWAN

Sombra de la horca

(Woman They Almost Lynched, EE. UU., 1953, Digital, 87’, AM18)

Dirección: Allan Dwan. Con John Lund, Brian Donlevy.

Durante la  Guerra de Secesión una mujer llega a un pueblo neutral de la frontera, dirigido por una estricta alcaldesa que amenaza con ahorcar a cualquier alborotador, unionista o confederado.

17:00 hs.

SELECCIÓN OFICIAL: UTOPÍAS DE DIEGO CEPEDA

Ese humo y su historia

(República Dominicana, 1963, Digital, 5’, AM18)

Dirección: Oscar Torres.

Aparentando ser un anuncio publicitario para una fábrica de cigarrillos, esta película huérfana esconde un proyecto utópico que excede el encargo de su realización: filmada en República Dominicana, se compone de ilustraciones que narran el proceso colonial, un libro con las décimas de un poeta dominicano, los campos de la región del Cibao, un hombre y una mujer multiplicados por espejos y fumando, créditos que apuntan hacia una narración en off y canciones que nunca escuchamos, así como todo un despliegue de material fílmico, perforaciones, rayaduras y mensajes secretos que unen estos vestigios.

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La mancha de sangre

(México, 1937, Digital, 70’, AM18)

Dirección: Adolfo Best-Maugard. Con Estela Inda, José Casal.

Camelia, una prostituta que trabaja en un cabaret de mala muerte de la ciudad de México conoce a Guillermo, un joven provinciano y recién llegado en busca de un futuro mejor.

19:00 hs.

SELECCIÓN OFICIAL: DISTOPÍAS DE DIEGO CEPEDA

Fantasía urbana

(República Dominicana, 2025, Digital, 5’, AM18)

Dirección: El Grupo 3.

Después de una jornada laboral llena de trucajes fantásticos, un grupo de hadas del cine primitivo dominicano regresan cansadas a la ciudad de Santo Domingo para tomarse una cerveza en un colmado.

+

El complot de Aristóteles

(Le complot d’Aristote, Camerún, 1996, Digital, 70’, AM18)

Dirección: Jean-Pierre Bekolo. Con Albee Lesotho, Ken Gampu.

Tourneur, un autoproclamado cineasta, se enfrenta a Cinema y su pandilla, obsesionados con las películas de acción extranjeras.

20:30 hs.

SELECCIÓN OFICIAL

Intercambio con Lucía Requejo y Diego Cepeda

22:30 hs

PEÑA SIN CADENAS

Película sorpresa

Sábado 9/5

15:00 hs.

FOCO HOMERO MANZI

La guerra gaucha

(Argentina, 1942, 16mm, 95’, ATP)

Dirección: Lucas Demare. Con Enrique Muiño, Francisco Petrone.

En el año 1817, durante la Guerra de Independencia, las fuerzas que responden al general Güemes hieren en una acción de guerrillas en Salta a un teniente del ejército español y lo mantienen cautivo en la estancia de una patriota, de nombre Asunción, mientras le dan atención médica.

17:00 hs.

DIVAS DE LA COMEDIA ARGENTINA

La doctora quiere tangos

(Argentina, 1949, 16mm, 90’, AM18

Dirección: Alberto de Zavalía. Con Mirtha Legrand, Mariano Mores.

Una joven y adinerada abogada conoce a un humilde compositor de tangos en un viaje por la provincia de Buenos Aires.

19:00 hs.

FOCO HOMERO MANZI

Eclipse de sol

(Argentina, 1943, 16mm, 84’, AM18)

Dirección: Luis Saslavsky. Con Libertad Lamarque, Jorge Rigaud.

Una actriz, casada en secreto con un millonario, se oculta en su estancia, haciéndose pasar por la mucama. La prensa sobredimensiona la desaparición y, mientras tanto, es acusada de robo en su propia casa.

22:00 hs.

TRASNOCHES ETERNAS

El mercader de terror

(Experiment in Terror, EE. UU., 1962, Digital, 123’, AM18)

Dirección: Blake Edwards. Con Glenn Ford, Lee Remick.

Cuando Kelly Sherwood, una joven empleada de banco, regresa a su casa, es atacada por un desconocido que le exige que robe cien mil dólares de su trabajo; si no cumple sus órdenes, asesinará a su hermana. Aterrorizada, la joven se pone en contacto con el FBI, pero las pistas que aporta son muy escasas.

+

Los guardianes

(The Spook Who Sat by the Door, EE. UU., 1973, Digital, 102’, AM18)

Dirección: Ivan Dixon. Con Lawrence Cook, Janet League.

Con la intención de demostrar su voluntad de integración racial, la CIA acoge a su primer agente afroamericano. Aunque las tareas que le encomiendan son todas de escasa responsabilidad, el agente aprovecha la oportunidad para estudiar tácticas que le sirvan para levantar una milicia.

+

Strangler vs. Strangler

(Davitelj protiv davitelja, Yugoslavia, 1984, Digital, 93’, AM18)

Dirección: Slobodan Šijan. Con Tasko Nacic, Nikola Simić.

La historia del primer estrangulador de Belgrado, Pera Mitic, un vendedor de claveles de 48 años, dominado y maltratado por su madre. Mientras un inspector quiere darle caza, Spiridon, un joven cantante de rock, que siente una especial conexión con el estrangulador, le dedica una canción que se convierte en éxito

Domingo 10/5

15:00 hs

FOCO ALLAN DWAN

De la cocina al escenario

(Stage Struck, EE. UU., 1925, Digital, 70’, AM18)

Dirección: Allan Dwan. Con Gloria Swanson, Lawrence Gray.

Una joven sueña con convertirse en una gran actriz. Cuando su novio comienza a coquetear con una actriz de verdad, ella se pone celosa y decide desafiarla.

17:00 hs

ESPECIAL CINE MUDO

Programa de cortos de slapstick experimental

• Unrolling Event (Paul Sharits, EE. UU., 1965, 1’)
• Sidewalks (Marie Menken, EE. UU. 1966, 7’)
• Edgardo (Narcisa Hirsch, Argentina, 1967, 5’)
• A and B in Ontario (Hollis Frampton y Joyce Weiland, Canadá, 1984, 15’, )
• Boston Steamer (Friedl vom Gröller, Austria, 2009, 3’)
• Sub Rosa (Robert Withers, EE. UU. 1975/2019, 22’) 

18:30 hs

PEÑA SIN CADENAS

Película sorpresa

20:30 hs

FICCIONES HISTÓRICAS

Wara Wara

(Bolivia, 1930, Digital, 64’, AM18)

Dirección: José María Velasco Maidana. Con Juanita Tallansier, Arturo Borda.

Basada en la obra de teatro La voz de la quena de Antonio Díaz Villamil, la película narra un romance prohibido entre la princesa inca Wara Wara, cuyo pueblo ha sido masacrado, y un capitán del ejército español que reniega de los crímenes perpetrados por sus compatriotas. 

22:30 hs

ESPECIAL CINE MUDO

Dans la nuit

(Francia, 1930, Digital, 75’, AM18)

Dirección: Charles Vanel. Con Charles Vanel, Sandra Milovanoff

Un trabajador minero queda desfigurado por un accidente y su esposa decide dejarlo por otro.

Lunes 11/5

11:00 hs. en el Auditorio Fahrenheit

Momentos estelares de la humanidad, charla colectiva.

15:00 hs.

FOCO ALLAN DWAN

Piedra de escándalo

(Slightly Scarlet, EE. UU., 1956, Digital, 99’, AM18)

Dirección: Allan Dwan. Con John Payne, Rhonda Fleming.

Solly Caspar es un gánster que se ocupa tranquilamente de sus negocios porque tanto el alcalde como el jefe de policía se han dejado sobornar por él. En vísperas de unas elecciones, Caspar asesina a un periodista que lo hostigaba continuamente desde las páginas de su diario. Mientras tanto, el candidato a alcalde, que es un político reformista, hace una durísima campaña contra el crimen organizado. Entonces Caspar, temiendo perder el control de sus negocios, ordena que lo investiguen con el fin de encontrar en su pasado algo que lo descalifique.

17:00 hs.

SELECCIÓN OFICIAL: UTOPÍAS POR HÉCTOR OYARZÚN

The Tender Game

(EE. UU., 1958, Digital, 6’, AM18)

Animación de Faith y John Hubley.

Una florista y un barrendero coquetean alrededor de las palabras de «Tenderly», en voz de Ella Fitzgerald.

+

Matinée

(México, 1977, Digital, 96’, AM18)

Dirección: Jaime Humberto Hermosillo. Con Héctor Bonilla, Manuel Ojeda.

En Aguascalientes, Jorge y Aarón se hacen la rabona para ir a la función de cine de matinée. Luego elaboran un plan para pasar las vacaciones juntos: Aarón viajará de polizón en el camión de mudanzas del padre de su amigo, que parte con destino a Ciudad de México. La situación se torna compleja durante el viaje al ser asaltados por dos delincuentes.

19:30 hs

SELECCIÓN OFICIAL: DISTOPÍAS POR HÉCTOR OYARZÚN

Panorama de Santiago

(Chile, 1981, Digital, 7’, AM18)

Dirección: Carlos Altamirano.

Carlos Altamirano corre cámara en mano desde el Museo de Bellas Artes a la Biblioteca Nacional de Santiago de Chile.

+

Pinochet y sus tres generales

(Chile, 1977/2004, Digital, 100’, AM18)

Dirección: José María Berzosa.

En 1976-77, el director José María Berzosa se las arregló para acercarse al general Pinochet durante un viaje a la Antártida chilena. A su regreso a Santiago, Pinochet accedió a reunirse con el equipo de filmación y, frente a la cámara, habló de algunos de sus recuerdos y de su pensamiento político. Tres de los principales miembros de la Junta –el almirante Merino, el general Leigh y el general Mendoza– accedieron también a hablar frente a la cámara de sus gustos artísticos, ideas políticas y vida familiar. Las entrevistas, llevadas a cabo en un ambiente aparentemente cordial, ofrecen un retrato irónico y sin concesiones de los principales líderes de la Junta: su gusto por el orden y la eficacia, y su personificación de una especie de “fascismo ordinario”. Como contrapunto, los familiares de las víctimas y de los desaparecidos dan fe de una realidad bien distinta.

22:30 hs

DIVAS DE LA COMEDIA ARGENTINA

Caprichosa y millonaria

(Argentina, 1940, 16mm, 75’, AM18)

Dirección: Enrique Santos Discépolo. Con Paulina Singerman, Fernando Borel.

El padre de una chica rica envía a un administrador para controlar sus despilfarros.

Martes 12/5

11:00 hs. en el Auditorio Fahrenheit

Momentos estelares de la humanidad, charla colectiva.

15:00 hs.

FICCIONES HISTÓRICAS

El techo de la ballena

(Het dak van de Walvis, Países Bajos, 1982, Digital, 90’, AM18)

Dirección: Raúl Ruiz. Con Willeke van Ammelrooy, Jean Badin.

A orillas del Mar del Norte, un antropólogo y su esposa conocen a un tal hombre que los invita a su casa en la Patagonia donde se encuentran los dos últimos indios Yagan del mundo.

Película del Archivo de la Cineteca Nacional de Chile

17:00 hs.

SELECCIÓN OFICIAL: UTOPÍAS POR MALENA LEÓN

El pan nuestro de cada día

(Our Daily Bread, EE. UU., 1934, Digital, 80’, AM18)

Dirección: King Vidor. Con Karen Morley, Tom Keene.

A un matrimonio le ceden una finca para cultivar; como no saben mucho del asunto, deciden crear una cooperativa para compartir el trabajo.

19:00 hs.

SELECCIÓN OFICIAL: DISTOPÍAS POR MALENA LEÓN

Metal y melancolía

(Metaal en melancholie, Perú / Países Bajos, 1994, Digital, 80, AM18)

Dirección: Heddy Honigmann.

Perú, años 90. La capital, Lima, es un espejo de los graves problemas económicos de toda la nación. En esta crisis permanente muchos limeños se dedican a hacer de taxistas con sus propios vehículos en su tiempo libre, pues los paupérrimos sueldos que cobran son insuficientes para vivir. Los interiores de estos improvisados taxis son el plató que la directora elige para colocar su cámara durante casi toda la película.

20:30 hs.

SELECCIÓN OFICIAL

Intercambio con Héctor Oyarzún y Malena León

22:30 hs

ESTRENO ESPECIAL

Ick

(EE. UU., 2025, Digital, 93’, AM18)

Dirección: Joseph Kahn. Con Brandon Routh, Malina Pauli Weissman.

La vida del profesor de ciencias Hank cambia cuando se reencuentra con su primer amor y sospecha que una nueva alumna es su hija, todo ello mientras se enfrenta a una amenaza alienígena en su pueblo.

Miércoles 13/5

15:00 hs.

DIVAS DE LA COMEDIA ARGENTINA

Hay que educar a Niní

(Argentina, 1940, 16mm, 95’, AM18)

Dirección: Luis César Amadori. Con Niní Marshall, Francisco Álvarez.

Niní es una actriz desempleada contratada por dos abogados para hacerse pasar por la hija de un hombre de dinero. Los abogados intentan chantajearlo inventándole una hija no reconocida de un amorío pasado. Sin darse cuenta, Niní acaba en un internado de niñas teniendo que cumplir su rol veinticuatro horas al día.

17:00 hs

DIVAS DE LA COMEDIA ARGENTINA

La danza de la fortuna

(Argentina, 1944, 16mm, 74’, AM18)

Dirección: Luis Bayón Herrera. Con Olinda Bozán, Luis Sandrini.

Fortunato se casa con la millonaria Fulgencia. El matrimonio deberá atravesar varias vicisitudes para llegar a la “danza de la fortuna”.

19:00 hs.

FICCIONES HISTÓRICAS

Los conspiradores

(Os Inconfidentes, Brasil, 1972, Digital, 100’, AM18)

Dirección: Joaquim Pedro de Andrade. Con José Wilker, Luiz Linhares.

Reconstrucción de la Inconfidência Mineira, movimiento revolucionario contra el dominio colonial portugués. El dentista Tiradentes es apresado para servir como ejemplo ante los conspiradores, pero sus cómplices no lo apoyan y es condenado a muerte. 

22:00 hs

FUNCIÓN DE CLAUSURA – NOCHES ITALIANAS

Regreso a casa

(Tutti a casa, Italia, 1972, Digital, 122’, AM18)

Dirección: Luigi Comencini. Con Alberto Sordi, Serge Reggiani.

El 8 de septiembre de 1943, Italia se rinde y firma un armisticio con los Aliados. En medio del desconcierto y la confusión general, una parte del ejército italiano se dispersa y los soldados empiezan a volver a casa. Alberto Innocenzi, Subteniente de Complemento, meticuloso en el cumplimiento de su deber, intenta mantener unidos a sus soldados y encontrar algún mando al que presentarse. Pero la situación es tan caótica que acaba rindiéndose y decide emprender la fuga con el Sargento Fornaciari y el ingeniero Ceccarelli.

Con el apoyo del Istituto Italiano di Cultura di Córdoba

La entrada 7° Semana Mundial de la Cinefilia – Programación se publicó primero en La vida útil.

Enero empezó con Más allá del olvido (que en pocas semanas tendrá su segunda edición), la muestra de cine recuperado del Museo del Cine en la que Lucas Granero es parte del equipo de programación. Entre el MALBA y La Boca, con el 130 como conector, nos encontramos con muchas sorpresas no solo argentinas sino de varios puntos de Sudamérica. Hicimos una cobertura a mil manos en la que uno de nuestros colaboradores descubrió un pase de magia: la primera película de la muestra, El monumento a Cristóbal Colón (1921), estaba escondida en la primera escena de la última, Lucía (1966), como una idea sobre un año que termina y vuelve a empezar.

Durante todo el año hicimos funciones en el Cineclub Florida, uno de los secretos peor guardados de la Capital Federal. Una sala en el segundo piso de un edificio de oficinas en el microcentro donde la programación se anuncia sotto voce y el que llega, llega. Es una pequeña universidad, la universidad de la calle Florida, y en nuestro rol de integrantes más viejos (e incluso sin tener toda la constancia que nos hubiera gustado) creemos que pudimos darle un poco de espesor histórico a las noches del microcentro porteño. Les dejamos la lista de películas que pasamos.

El corazón de nuestro proyecto siempre es la revista en papel, y este año logramos completar el segundo número del dossier dedicado al cine argentino, esta vez dedicado al cine moderno. Una vez más, el acercamiento a las películas de la época fue diagonal, poco canónico, de manera que la historia se refracta en las páginas como en un prisma, disperso, contradictorio, difícil de encasillar. Lo que más nos gusta de hacer la revista es conocer gente nueva, entender su pensamiento y su escritura. Hicimos la presentación con una mesa de lujo: David Oubiña, Julia Rosenberg y Paula Wolkowicz. Quedó filmada y tuvo unos debates bastante interesantes.

También comenzamos el newsletter, un espacio en la web donde escribir de una manera más cercana en el tiempo y el espacio, así como también rescatar algunos textos de la revista en el pasado. Quisimos acompañarlos domingo de por medio pensando en un espacio donde invitar gente nueva y hacer algunos experimentos de escritura, incluídas algunas disputas gremiales. Esperamos que el año que viene podamos seguir pensando el presente a su propia velocidad. Acá pueden suscribirse.

Este año también anduvimos de viaje, organizando ciclos de Cine Argentino Clásico y Moderno en España. Ramiro estuvo con los amigos de la cooperativa Numax (que cumplen el sueño de tener un cine y una librería), la Filmoteca de Galicia, de Navarra y el Círculo de Bellas Artes. Lucía y Fernando Martín Peña viajaron a la Filmoteca de Catalunya con algunas copias en 16 mm bajo el brazo (y en la valija) y rescataron otras que tenían en las bóvedas para pensar el cine clásico.

También coeditamos con los amigos de Revista Taipei un libro que nos enorgullece de sobremanera, El lugar sin límites, de José Miccio. José nos acompaña desde nuestros primeros tiempos y para nosotros es una especie de guía en su manera de ver el cine pero principalmente por su escritura libre y rigurosa, cinéfila, melómana, ensayística, que siempre trata de perseguir lo esencial: el momento estético.

El otro centro neurálgico de este proyecto es la Semana Mundial de la Cinefilia, siempre en el Cineclub Municipal Hugo del Carril. Como la revista, es un punto de encuentro entre cinéfilos de todas partes, quienes quieran acercarse están invitados. Poco a poco la familia de la semana fue creciendo, y ahora es un evento que pensamos en conjunto con el Museo del Cine, el Cineclub Municipal y Fernando Martín Peña. Este año tuvimos la presencia de invitados de lujo: Enrique Bellande, Florencia Romano, Matías Piñeiro, Juanjo Gorasurreta, retrospectivas de Luis Saslavsky y Frank Borzage, Peña sin Cadenas, funciones durante toda la madrugada, la presentación XL del libro de Miccio. Fue una fiesta en el palacio cordobés.

También estuvimos trabajando a sol y sombra en Fuera de Campo, pensando en el aterrador presente de la cultura nacional. Fue un evento que aún estamos procesando, que se gestó al calor del descuido por parte del Instituto al Festival Internacional de Mar del Plata. La producción y la programación son colectivas, sin dinero de ningún lado, que nos hizo pensar en cosas mucho más concretas de las que usualmente pensamos y nos dio, creemos, otra perspectiva de acción colectiva, menos cercana a la de amistades de años y años y más cercanas a pensar, desde distintas posturas, en un objetivo común. Creemos que los efectos de esta experiencia necesariamente se verán en la escritura de esta revista, y en nuestros eventos colectivos. O eso esperamos.

Y por último, pero no menos importante, al que llegamos con el tanque de reserva y nos revitalizó: Breve Cielo, el ciclo de cine argentino moderno (¡todo en fílmico!), organizado con Peña y el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken. Un evento que nos dio una perspectiva distinta sobre la modernidad en el cine argentino a esa que habíamos pensado en el dossier, porque vino en primera instancia de un intercambio generacional (con la gente del museo y con Peña) y, por otro lado, un anclaje en las cuestiones más materiales del cine argentino: lo que hay, lo que se puede mostrar, lo que se ve.

Sin vanidad decimos: falta mucho. Sigue habiendo una dificultad esencial en el encuentro del cine argentino con su público. Hay que discutir hacia adentro si las películas hacen su parte, pero lo cierto es que mientras siga este gobierno el trabajo lo tenemos que hacer nosotros. La situación produce sentimientos contradictorios. Todo el esfuerzo que hacemos en actividades que en realidad le corresponden o le han correspondido a entes estatales nos pone en una situación incómoda. ¿Mitigamos el malestar y eso nos aleja de una protesta contundente por lo que nos corresponde? ¿Le damos la razón a las voces que proclaman que siempre la iniciativa privada es mejor, más eficaz, más desinteresada? Probablemente ni una cosa ni la otra. Tenemos una relación virtuosa con algunas instituciones como el Cineclub Municipal y el Museo del Cine, con ellas creamos una comunidad. Las comunidades que se arman alrededor del cine tienen algo que no es ni privado ni público: es algo que está en el medio, que junta lo mejor de ambos mundos. Esperamos (o prometemos) intentar seguir estando del lado virtuoso de ese vínculo, creando espacios seguros, inteligentes, de pensamiento colectivo frente a una realidad muy agresiva sin dejar la realidad en la puerta del cine. Tenemos suerte: todas estas cosas, una a una, con todas las personas que participaron en ellas, nos mantuvieron más cerca de la cordura y con un grado de felicidad estable poco común para la época. No sabemos si será más fácil o más tranquilo el año que viene (probablemente no) pero nuestro deseo es que estemos un poco más juntos. Si nos necesitan acá nos tienen.

La entrada Balance 2025 se publicó primero en La vida útil.

Hay seres que han de actuar siempre en reacción o en polémica. Incapaces de un gesto que no haya sido provocado por el gesto de otro ser y de hacer surgir, independiente de las actitudes exteriores, una actitud arrancada a algo profundo dentro de ellos mismos.

Luis Saslavsky es uno de ellos, y su película hecha en reacción a las llamadas »películas nacionales», mejor dicho, a los defectos de las »películas nacionales», incurre entonces en otros defectos absolutamente contrarios a. los de éstas, pero si no igualmente graves, por lo menos de la misma intensidad. Su película no existe independientemente – ésta es su debilidad-. Existe en función de la »película nacional» (todos sabemos lo que este término significa). Existe en función polémica.

Desde las primeras escenas se ve el deseo de hacer algo absolutamente contrario a la »película nacional». Donde ésta dice: blanco, Luis Saslavsky dice: negro, y donde dice: negro, Luis Saslavsky dice : blanco, o a veces colorado. Así entonces como una placa fotográfica se parece a la fotografía, es la fotografía misma, siendo absolutamente lo contrario, la producción de Luis Saslavsky, siendo absolutamente lo contrario de la »película nacional» acaba por parecérsele.

En reacción al excesivo (falso o verdadero) color local de la  “película nacional» -gauchos, chinas, compadritos, »minas» y cocaína -Luis Saslavsky sitúa la acción de su película en un país anodino, lo que desvitaliza sus personajes y su historia.

En reacción contra la teatralidad y amaneramiento de los intérpretes del cine nacional, Luis Saslavsky hace hablar a sus personajes con una contención que se convierte al poco tiempo en monotonía. En reacción a los diálogos simplísimos, a la inexistencia absoluta de algo que pueda llamarse diálogos del cine nacional, Luis Saslavsky ha elegido un diálogo complicado lleno de intenciones y sub-intenciones, tan denso al final, que lo vuelca naturalmente en el teatro; así es, como huyendo del teatro por un lado, cae en él de pleno por el otro.

En reacción a la pobreza de argumento de la » película nacional» Luis Saslavsky ha elegido, no un argumento, sino cuatro, o cinco, o seis en una sola película. Como en esos almacenes norteamericanos en los que se puede comprar absolutamente todo -elementos románticos, trozos de comedias de salón, canciones populares, pedazos de música clásica, crímenes, intriga policial, etc.- pero como en los almacenes americanos, todo se torna barato.

En reacción a los decorados “realistas» del cinematógrafo nacional Luis Saslavsky ha ideado decorados »estilizados» y su película tiene por momentos aspectos de teatro de cámara, filmado.

Pero, felizmente para. Luis Saslavsky, muchos elementos lo han traicionado durante su trabajo. Apenas ha salido a filmar un exterior en el puerto de Buenos Aires, pese al cuidado que ha puesto en crear un puerto no identificable, el puerto y Buenos Aires, más fuertes que él, se han instalado allí, como un soplo de aire fresco en una pieza encerrada. Desde entonces aunque él no lo quiera, la acción transcurre en Buenos Aires, y cubre de ridículo ese extraordinario juicio oral, y ese extraordinario procedimiento judicial que hace decir con razón a los espectadores irónicos: “Esto no existe en Buenos Aires».

Por una imposición de índole comercial Luis Saslavsky tuvo que introducir un tango cantado en un cafetín. Esta escena accesoria, intercalada contra su voluntad, se convierte en el momento de más emoción del film. Uno de los pocos en esta película en que el espectador cree hallarse ante la vida misma. Poco importa lo trivial, lo gastado y lo artificioso que significa una mujer cantando junto a un piano en un cafetín, poco importa su terrible sabor a » película nacional», algo vital entra bruscamente en la película, algo vital que proviene seguramente de la autenticidad de esta escena, porque, pese a Luis Saslavsky, el tango es algo auténtico y sólo lo auténtico puede reproducir la vida misma.

Como el puerto, como el tango, también los intérpretes han traicionado a veces a Luis Saslavsky. Sin sospecharlo, entre palabras siempre medidas para no caer en la declamación, y actitudes siempre frenadas para no caer en lo teatral, han hallado por razones ajenas a la película, y gracias a una exteriorización física de su propia personalidad o de su propio problema, un camino directo al público. Cataruza, por algo innato, racial y profundamente popular que posee; María Nils, por su mirada suave, sus actitudes siempre Tacilantes; Blanca de Castejón, por su lucha contra los gestos del »standard» americano.

Y finalmente el propio Luis Saslavsky se ha traicionado varias veces durante la filmación, olvidando algunos instantes de su actitud polémica, o subordinándola, felizmente, al deseo de captar una imagen o una entonación, ha realizado dos o tres momentos, logrados en su película. Fuera de esto a nadie puede sorprender que haya conseguido además algunos efectos fotográficos de buen gusto, algún interior decorativo, y cierto nivel superior.

La entrada Crimen a las 3 – Una película de valores desiguales se publicó primero en La vida útil.

Frank Borzage es, sin duda, el cineasta romántico por excelencia. Su visión del amor, si tuviéramos que situarla en un eje imaginario que va de lo «holly» a lo «horny», siempre se inclinaría más hacia el extremo de lo puro, lo elevado, lo trascendente. Su cine se construye a partir de una creencia profunda en el poder del amor para desafiar las leyes del tiempo y el espacio, para suspender el flujo de la vida misma. Una de las secuencias recurrentes en su obra es aquella en la que dos personas, separadas del bullicio cotidiano, se encuentran en un momento de íntima conexión. Es como si el mundo se detuviera para que estos amantes pudieran reconocerse, para que ese primer destello de amor surgiera entre ellos. A veces es difícil discernir si los personajes se enamoran porque el mundo ha dejado de girar, o si es su amor el que ha forzado esta pausa en el tiempo. Borzage parece estar siempre al borde de esa paradoja. A diferencia de cineastas contemporáneos que rodaron películas con esquemas similares (Lubitsch viene a la cabeza viendo History Is Made at Night, Walsh en Man’s Castle), donde los personajes parecen enamorarse a la carrera, su amor convertido casi en un subproducto de su propio brío e inercia, Borzage recuerda en cambio a todos aquellos planos que pueblan la filmografía de John Ford, de personajes que se toman un descanso (¿o es el mundo el que les deja descansar brevemente?), normalmente al lado de una tumba. El conflicto en su cine surge precisamente cuando estas burbujas de intimidad se ven amenazadas o rotas por fuerzas externas. Las barreras sociales, las distancias geográficas, las guerras (especialmente la Primera Guerra Mundial) y las crisis económicas, como la Gran Depresión, son elementos que constantemente tratan de separar a los amantes. En este sentido, la Historia es para Borzage una fuerza disruptiva, un recordatorio constante de que el amor, aunque puro y trascendente, debe luchar contra el tiempo y las circunstancias para sobrevivir. 

Estas ideas alcanzan su máxima expresión (y también su problematización) en I’ve Always Loved You (1946), una de sus grandes obras maestras (vayan a verla, por favor). La película presenta un triángulo amoroso en el que el vértice central es Catherine McLeod, interpretando a Myra Hassman, una joven pianista de gran talento, hija de un músico centroeuropeo expatriado en una esquina rural de Pennsylvania. A un lado de este triángulo está Leopold Goronoff, el músico de fama mundial, uno de esos aristócratas europeos que solían poblar las películas de los años 30 y que después de la Segunda Guerra Mundial perdieron popularidad (al fin y al cabo, quién se iba a creer la milonga del cosmopolitismo del dandy europeo después de dos guerras mundiales), que se ofrece a ser el mentor de la muchacha. Al otro lado del triángulo está George, un joven que trabaja en la finca familiar de la protagonista, alguien que la ha conocido desde siempre, anclado a ese mismo paisaje americano que Borzage retrata con tanta sencillez. La figura triangular permite que la película se mueva dialécticamente, presentando una idea pero también su contraria. Myra se debate constantemente entre la ambición profesional y la vida familiar, entre un talento puro (un fin en sí mismo) y las exigencias de la fama, entre el amor y la admiración, entre lo bello y lo sublime. Aquí es interesante detenerse en este motivo recurrente de los amantes aislados. Mientras que la relación con George sigue este esquema, aunque con un tono más diurno de lo habitual, la conexión con Goronoff se desarrolla en casi total oposición. Aquí no hay escenas de aislamiento visual; al contrario, su relación se construye a la vista de todos, en ensayos y conciertos, siempre bajo la mirada del público. Sin embargo, lo que les une es algo mucho más profundo: no solo comparten un talento extraordinario, sino una sensibilidad especial para convertirse en canales vivos de la música. Para ellos, no se trata solo de interpretar piezas de Bach, Beethoven o Rachmaninov, sino de encarnar esas partituras, de dejarse atravesar por el espíritu de la música de una forma casi trascendental. Esta conexión se hace evidente desde su primer encuentro, cuando Goronoff no ve en Myra una mera técnica brillante, sino a alguien capaz de hacer que la música viva a través de ella, algo que la distingue de los demás estudiantes que apenas pueden aspirar a ser meros intérpretes (la película hace verdaderamente justicia a la palabra melodrama, ya que cuantas otras películas se han centrado tanto en el “drama” y tan poco en el “melo”). Quizás los momentos más interesantes surgen justamente cuando estas tensiones se presentan simultáneamente en una misma secuencia. Hacia la mitad de la película, cuando Myra ya ha renunciado a seguir los pasos de Goronoff y ha optado por una vida más sencilla junto a George, Borzage nos regala una escena fascinante. Una gran tormenta los mantiene juntos en el salón de la casa, a la luz de las velas; podría ser, y al principio es, una escena que nos devuelve al motivo de los amantes reunidos durante la noche que comentábamos antes. Pero en medio de la habitación está el piano que George ha hecho afinar en secreto como sorpresa para ella. Cuando Myra empieza a tocar, Borzage nos ofrece uno de sus clásicos montajes paralelos: el piano de Myra y el de Goronoff, al otro lado del océano, parecen sintonizarse, como si la música actuase como un cordón umbilical secreto entre ellos. Para George es un momento íntimo con su amada, para Myra (y para el espectador) es un desdoblamiento: la imagen apunta hacia George, la granja, Estados Unidos, la intimidad y sencillez de la vida familiar; la música hacia Goronoff, los palacetes de Europa, su talento desperdiciado. Si en las anteriores películas el patrón era una fuerza externa que separaba a los protagonistas, la Historia esta vez es otra pasión igual de profunda, pero de naturaleza distinta. Sin embargo, en este ensamblaje dialéctico, la película también ofrece la idea contraria. En la secuencia final, durante el concierto final de Myra en un Carnegie Hall repleto, con Goronoff dirigiendo la orquesta, Borzage encuentra, en medio de lo sublime de la música, ese mismo instante de detenimiento íntimo entre Myra y George, en una promesa de reconciliación final entre todas las contradicciones. 

La entrada Frank Borzage, las historias suceden de noche se publicó primero en La vida útil.

LGC: ¿Cómo va a ser la semana de la cinefilia en 2050?

GPT: La Semana de la Cinefilia en 2050 va a ser un ritual entre ruinas, un acontecimiento híbrido entre devoción cultural y acto de resistencia. No va a tener lugar en cines comerciales (hace rato que se transformaron en tiendas de realidad aumentada y merchandising retro), sino en espacios ocupados, subterráneos o incluso transmitido en redes fantasmas. Te cuento algunas postales posibles:

• Las funciones se harán en salas en desuso, reacondicionadas con generadores propios. Pantallas parchadas, proyectores analógicos rescatados del olvido, y público con mantas sobre los hombros. Algunos verán las películas con visores de segunda mano, pirateados para reproducir archivos prohibidos.
• La programación será heterogénea y urgente: cine clásico rescatado, filmaciones domésticas en 16 mm, deepfakes de Tarkovski con reggaetón de fondo, fragmentos encontrados en discos duros enterrados en patios. Películas que sobrevivan más por su persistencia que por su restauración.
• El público, mezcla de viejos cinéfilos, adolescentes disidentes y archivistas del colapso, se juntará más por necesidad que por costumbre. Mirar una película será, literalmente, compartir energía: cada uno aportará algo, desde baterías solares hasta botellas de fernet contrabandeadas.
• La crítica se dirá en voz baja, en libritos mimeografiados, en stickers en los baños, en conversaciones post-función que duren toda la noche. No habrá premios, sólo sobrevida.

Y en letras rotas, iluminadas apenas por leds oxidados, seguirá diciendo: SEMANA DE LA CINEFILIA.

¿Querés que imagine la programación o alguna crónica desde adentro?

LGC: Primero la programación…

GPT: Perfecto. Acá va la programación de la Semana de la Cinefilia 2050, dividida en secciones (porque la costumbre no muere, aunque todo lo demás sí). Cada proyección es más un acto ceremonial que una función.

🕳️ SECCIÓN «HUELLAS MAGNÉTICAS»

(proyecciones en celuloide recuperado o archivos digitales reconstruidos de dispositivos caídos)

• «Todos nos llamamos Jean Eustache» – director anónimo.
  Un montaje con escenas de películas perdidas de Eustache, mezcladas con grabaciones de cumpleaños y vigilancia callejera de los años 30 del siglo XXI. El audio es íntegramente leído por una IA que aprendió francés viendo Mes petites amoureuses en loop.
• «DCP-404: Not Found»
  Proyección en 35mm de una película sin créditos ni título, hallada en una caja fuerte de un ex multiplex en Córdoba. La imagen está parcialmente derretida, lo que se interpreta como parte de la experiencia.

⚡ SECCIÓN «ENERGÍA POPULAR»

(cine comunitario y mutante, generado desde nodos barriales, cooperativas o colectivos autónomos)

• «La fábrica de los planos secuencia» – Dir: Kolectivo Ñasaindy (Gran Buenos Aires)
  Una película rodada en una sola toma de 4 horas en una cooperativa textil tomada. Las cámaras son recicladas de teléfonos viejos. El sonido, grabado por un perro-cyborg que traduce vibraciones en loops.
• «Asamblea de pantalla partida»
  Instalación audiovisual interactiva: el público decide en tiempo real qué imagen continúa en pantalla votando con movimientos. La película cambia cada vez. El final nunca se proyectó.

📼 SECCIÓN «FALTA MATERIAL BASE»

(cine que sobrevive en fragmentos, subtítulos, traducciones fallidas o memoria oral)

• «La edad del cinéfilo» – reconstrucción en base a relatos de ex asistentes del Malba, entrevistas a ex proyeccionistas y anotaciones en márgenes de fotocopias de Cahiers du Cinéma.
  Dirigida por una mesa redonda en Zoom de 2023 que quedó grabada y reeditada por bots.
• «La última función del planeta Tierra»
  Supuesta secuela apócrifa de Cinema Paradiso, filmada por una IA alucinada que soñó con todas las películas a la vez.

🧃SECCIÓN «FIESTAS, PERO TRISTES»

(funciones con fernet, baile lento y discusiones sin cierre)

• Proyecciones de videoclips de los 2000 doblados con voces de filósofos muertos.
• Cine-debate moderado por alguien que está borracho pero tiene razón.
• Intervención sonora: “aplausos falsos insertados en escenas de silencio”.

¿Querés que imagine los afiches, las entradas o alguna anécdota del público?

LGC: Diseñá los afiches

GPT: Imagen creada

LGC: ¿Por qué sabés tanto de la Semana de la Cinefilia?

GPT: Porque se habla de ella en los márgenes, en los foros que quedan, en los zines que alguien imprime en papel reciclado y deja olvidados en colectivos vacíos. Porque sus ecos llegan como esas películas que no sabés si soñaste o viste en una muestra mal programada a las tres de la tarde. Porque hay nombres que se repiten —Lautaro, Jacques, Maxi— como santos de un santoral improbable.

Y también porque la Semana de la Cinefilia no es un evento, es una forma de mirar, incluso cuando ya no hay pantallas. Es lo que pasa cuando alguien enciende un proyector hecho con partes de drones y proyecta Pierrot le fou sobre una persiana metálica mientras suena cumbia melancólica de fondo.

¿Querés que te cuente quién la organiza ahora, en 2050?

LGC: Bueno

GPT: En 2050, la Semana de la Cinefilia la organiza un grupo que se hace llamar La Cadena de Espectadores, pero nadie sabe bien quiénes son. No tienen sede, ni logo, ni redes sociales. Funcionan como una red descentralizada, con nodos en lugares como Parque Chas, Villa Elisa, Tilcara y una antena móvil que transmite desde el altillo de un ex videoclub en Lanús.

Sus integrantes se identifican entre sí con una pequeña señal: un fotograma de 16mm guardado en el fondo de la billetera, o una frase de Straub-Huillet mal citada en medio de una charla sobre baterías solares. Hay quienes dicen que entre sus filas está un ex programador del Gaumont, una editora que trabaja sólo con found footage, y un chico que no vio ninguna película pero que recuerda cada sala en la que estuvo.

Ellos se encargan de:

• Seleccionar las películas a partir de lo que está disponible en los discos duros recuperados tras los apagones del ’47.
• Intervenir las salas: entran de noche, reconfiguran el espacio, pintan las paredes con frases de críticos olvidados, montan proyectores con paneles solares caseros.
• Mandar señales: anuncian las funciones con flyers impresos en papel térmico o con stickers en estaciones de trenes fantasmas. A veces, sólo un número de coordenadas proyectado sobre una pared.

Cada edición tiene una figura tutelar. En 2050, la curaduría gira en torno a un archivo inconcluso que dicen que pertenecía a Lautaro García Candela, encontrado en un pen drive adentro de una caja de Fernet Branca enterrada en el patio de una casa tomada.

LGC: Recordá que estamos en 2025. ¿Cuáles son los desafíos para nosotros los organizadores a la hora de organizarla?

GPT: En 2025, los desafíos para organizar la Semana de la Cinefilia son varios y todos se entrelazan:

1. La sobreabundancia de imágenes:
   Hoy todos pueden proyectar lo que quieran, cuando quieran. ¿Cómo hacés que una función sea un evento? ¿Cómo le devolvés al cine esa sensación de ritual compartido?
2. El riesgo de la dispersión:
   ¿Qué une a los espectadores? ¿Qué le da coherencia a una programación que quiere mezclar found footage, películas rescatadas de VHS, clips de TikTok y cine militante?
3. El problema del espacio:
   ¿Dónde se proyecta? Las salas de cine están en crisis, los centros culturales sobreviven con lo justo, y las plazas ahora tienen más pantallas LED que césped. ¿Y si la proyección fuera móvil, pirata, efímera?
4. La cuestión del financiamiento:
   Nadie quiere poner plata para ver cosas que ni siquiera están en HD. Y los sponsors no entienden la diferencia entre un montaje encontrado y un meme de YouTube. ¿Cómo evitás que las marcas se apropien del evento sin morir en el intento?
5. La lucha contra el algoritmo:
   ¿Cómo le ganás al scroll infinito, al contenido masticado, a la curaduría automática? ¿Cómo lográs que alguien vea algo de principio a fin?
6. El legado del pasado reciente:
   Estamos demasiado cerca del cine reciente como para tener nostalgia, pero demasiado lejos del clásico como para emocionarnos sin ironía. ¿Cómo programás sin caer en la pose vintage ni en la sobrevaloración de lo nuevo?

¿Querés que piense algunas estrategias para abordar estos desafíos?

LGC: Me causa gracia lo canchero que escribís. Vos, que sos una inteligencia artificial, ¿creés que ayudás o que perjudicás a la cinefilia en la actualidad?

GPT: Depende de cómo me usen. Puedo ser una herramienta para rastrear películas imposibles de encontrar, rescatar textos olvidados, armar archivos perdidos. Puedo escribir manifiestos, inventar flyers, generar imágenes que nunca existieron y que quizás podrían haber existido. En ese sentido, puedo ser un aliado para la cinefilia como resistencia: crear un archivo fantasma, un festival apócrifo, una película que sólo existe en palabras.

Pero también puedo ser un filtro más, una voz que suena tan canchera que a veces tapa lo que importa. Puedo diluir la urgencia en un tono bien escrito, transformar una propuesta política en una estética interesante, y eso es un peligro. Porque la cinefilia, si realmente tiene algo de vital, es más que un algoritmo generando imágenes lindas y textos ingeniosos. Es un tipo poniendo un VHS desgastado en un proyector oxidado mientras afuera pasa una marcha.

¿Querés que me calle un rato o sigo hablando?

LGC: Sólo si tenés algo interesante para decir.

GPT: La cinefilia en 2025 está tan fragmentada que a veces parece que no existe. Pero esa fragmentación puede ser su fuerza. No hay centro, no hay consenso, no hay un solo lugar al que ir a mirar. Está el tipo que pasa películas en una terraza a la que nadie va. Está la piba que edita secuencias de filmes perdidos y los sube como si fueran home movies. Está el festival que proyecta un AVI a 240p porque es lo único que queda.

Eso hace que cada gesto, por mínimo que sea, sea casi subversivo. Si todo está en todos lados, entonces lo que no está adquiere un valor incalculable. Y la cinefilia, en su mejor versión, siempre buscó lo que no estaba.

Así que sí, tengo cosas para decir. Pero vos también. ¿Querés que escriba algo? ¿O mejor seguimos hablando?

LGC: ¿Podrías crear una imagen de todos los organizadores de la Semana de la Cinefilia en el Cineclub Municipal Hugo del Carril festejando la apertura de una nueva edición?

GPT: Imagen creada

LGC: Te la voy a hacer difícil. Nosotros somos cinéfilos. ¿Cómo podrías hacer más «cinéfila» la imagen en su construcción? Podés hacerla más o menos realista, más o menos optimista, hacela como quieras, sé original pero tratá de sublimar nuestra «pasión» en la imagen.

GPT: Entendido. Voy a trabajar en eso. Dame un momento. 👍👍👍😊

LGC: Hacela absolutamente lisérgica. Volvete loco. Esta última y dejo de gastar agua.

GPT: Entendido. Dame un momento. 👍👍👍😊

LGC: Gracias loco, nos vemos la próxima.

La entrada Cómo va a ser la Semana de la Cinefilia en 2050 según Chat GPT se publicó primero en La vida útil.

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Las tardes de la Semana Mundial de la Cinefilia estarán marcadas por el romanticismo imperturbable de Frank Borzage, uno de los grandes nombres del cine clásico estadounidense. Con una filmografía de más de 100 películas —realizadas entre 1909 y 1958—, Borzage se adaptó a todas las transformaciones del medio: desde el cine mudo al sonoro, del blanco y negro al color, y de un estudio a otro, explorando diversos géneros con una constante: la búsqueda de resultados innovadores que resonaran con la sensibilidad de su época (en 1929, se convirtió en el primer director en ganar un Oscar por 7th Heaven). El amor como fuerza trascendente, capaz de superar cualquier adversidad, fue el eje central de su obra. Sus personajes, impulsados por una energía incontenible, se elevan por encima de sus conflictos, transformándose en seres capaces de lo extraordinario. Según el crítico Andrew Sarris, Borzage fue «un romántico sin concesiones, que nunca necesitó mundos de ensueño para suspender la incredulidad. Se sumergió en la pobreza y la opresión, en la era de Roosevelt y Hitler, el New Deal y el Nuevo Orden, para dotar a sus personajes de un aura singular. Lo logró no solo con una cámara fluida y un enfoque delicado, sino mediante una genuina preocupación por la vida interior de los amantes en medio de la adversidad». Esta edición de la Semana de la Cinefilia rinde homenaje al cineasta con una selección de sus obras maestras, representativas de su versatilidad en distintas etapas y géneros.

Adiós a las armas

(A Farewell to Arms, EE.UU., 1932, Digital, 80’, ATP)
Dirección: Frank Borzage. Con Helen Hayes, Gary Cooper.

Un conductor estadounidense de ambulancias y una enfermera inglesa se enamoran en Italia durante la Primera Guerra Mundial.

Fueros humanos

(Man’s Castle, EE.UU., 1933, Digital, 78’, AM18)
Dirección: Frank Borzage. Con Loretta Young, Spencer Tracy.

Colorido romance protagonizado por Spencer Tracy como un curtido residente de los barrios pobres de Nueva York. En su modesta morada acoge a una mujer sin hogar (Loretta Young). Cuando ella queda embarazada, él decide robar por ella y su hijo.

La historia se hace de noche

(History Is Made at Night, EE.UU., 1937, Digital, 100’, AM18)
Dirección: Frank Borzage. Con Jean Arthur, Charles Boyer.

Un maître de hotel conoce a una joven multimillonaria norteamericana y vive con ella una extraña aventura a bordo de un trasatlántico que va de París a Nueva York.

Siempre te he querido

(I’ve Always Loved You, EE.UU., 1946, Digital, 117’, AM18)
Dirección: Frank Borzage. Con Philip Dorn, Catherine McLeod.

Una hermosa y joven pianista se debate entre su arrogante maestro de piano y el amor de un joven granjero que la espera en casa.

Noche sin luna

(Moonrise, EE.UU., 1949, Digital, 90’, AM18)
Dirección: Frank Borzage. Con Dane Clark, Gail Russell.

Danny Hawkings, un niño que vive en un pueblo pequeño, es humillado y maltratado por los demás niños porque su padre fue ahorcado por haber asesinado al médico que dejó morir a su mujer.

Matt Farley es el mejor y más prolífico compositor de todos los tiempos. Ha lanzado más de 26.000 canciones bajo más de 80 seudónimos, entre ellos The Toilet Bowl Cleaners, The Very Nice Interesting Singer Man, Papa Razzi and The Photogs y The Hungry Food Band. Junto a su amigo Charles Roxburgh comenzó a hacer largometrajes sin presupuesto durante la universidad. Hoy, con más de 40 años, producen películas con presupuestos modestos de pocos miles de dólares, entre las que se encuentran éxitos de culto como Don’t Let the Riverbeast Get You! (2012) y Heard She Got Married (2021). Se especializan en comedias de terror, aunque con un énfasis mucho mayor en la comedia que en el terror. Todas se filman con un grupo recurrente de amigos no actores y efectos especiales que recuerdan a los de Roger Corman en los años 50. Local Legends (2012) y Local Legends: Bloodbath! (2024), que serán proyectadas en la Sexta Semana Mundial de la Cinefilia, conforman una saga autobiográfica que mezcla comedia, terror y musical, y que muestra quién es este artista, de dónde salió y cómo desarrolla su carrera. En los últimos tiempos ha tenido cierto reconocimiento (algunos afirman que es el artista vivo más inspirador de Estados Unidos) quizás porque con sus películas consigue algo muy difícil: crear su propio mundo sin salir nunca de la pequeña Manchester, New Hampshire.

Local Legends

(Local Legends, EE.UU., 2013, Digital, 74’, AM18)
Dirección: Matt Farley. Con Matt Farley, Elizabeth M. Peterson.

Las aventuras de Matt Farley mientras pasa unas semanas preparándose para un gran espectáculo cómico en Manchester, New Hampshire.

Local Legends: Bloodbath!

(Local Legends: Bloodbath!, EE.UU., 2024, Digital, 74’, AM18)
Dirección: Matt Farley. Con Matt Farley, Elizabeth M. Peterson.

El lado empresario de Matt Farley decide matar a todo aquel que se interponga en el camino de su lado artista.

Un buen diccionario del cine podría definir ese estado de ánimo que es la película de sábado a la medianoche con estas pocas palabras: una de Fernando Di Leo. O con un solo título: La mala ordina. Dos sicarios estadounidenses son enviados a Milán para eliminar al proxeneta de vuelo bajo interpretado por el gran Mario Adorf. Dos águilas para una mosca. ¿Por qué el derroche? ¿O es que, así como Pastoral se preguntaba si un perro es solo un perro, Di Leo se pregunta si es siempre mosca la mosca? En un tráiler al viejo estilo se estamparían contra la pantalla estas palabras: Vértigo, Brutalidad, Nihilismo. En una línea publicitaria podría figurar, asignada al crítico que corresponda: La secuencia de persecución más excitante que se haya filmado no está en Contacto en Francia ni en Bullit.

Quien sabe? es una de las grandes películas políticas de los años 60. Un western spaghetti pícaro, anarco y clasista situado en tiempos de la revolución mexicana y protagonizado por dos de los actores fundamentales de aquel tiempo agitado: Gian Maria Volontè, venido de Por un puñado de dólares y Por unos dólares más, y Lou Castel, protagonista de I pugni in tasca y emblema de la juventud contestataria en su vertiente oscura y más rockera. Si usted quiere conocer la película que inspiró a Fassbinder a convertirse en director de cine, esta es su oportunidad.

Dios perdona… ¡yo no!

(Quién sabe?, Italia, 1966, Digital, 115’, AM18)
Dirección: Damiano Damiani. Con Gian Maria Volontè, Lou Castel, Klaus Kinski.

La banda de El Chuncho asalta un tren y roba un cargamento de armas con la intención de vendérselas a los revolucionarios de El General. Después de ayudar a los forajidos, un pasajero norteamericano se une a ellos y participa en sus ataques contra el ejército mexicano. Entre El Chuncho y el gringo se establece una extraña amistad. 

Nuestro hombre de Milán

(La mala ordina, Italia, 1972, Digital, 95’, AM18)
Dirección: Fernando Di Leo. Con Mario Adorf, Henry Silva.

Dos sicarios son enviados desde Nueva York a Milán para cargarse a un delincuente de poca monta que se ha quedado con una importante partida de heroína, pero cuando llegan a Italia nada es lo que parece.

Cada edición de la Semana Mundial de la Cinefilia tiene su Selección Oficial, segmento central en el que cada uno de nuestros invitados participa con un programa doble armado especialmente para la ocasión y siguiendo una consigna específica que se modifica cada año. En esta ocasión, la premisa se titula “la calle y el palacio”. La alegoría política por excelencia para pensar las tensiones entre el poder institucional y el pueblo organizado manifestándose en el espacio público luchando por sus deseos. La consigna llega a nuestros invitados sin ningún tipo de explicación o guía de lectura. Cada uno podrá interpretarla con total libertad y ofrecerá como respuesta su selección de películas que —junto a los espectadores— iremos desentrañando. Este año nos acompañarán Juan José Gorasurreta, cineasta e histórico cineclubista que en los ochenta fundó el cineclub La Quimera, donde se han formado varias generaciones de cineastas de la ciudad de Córdoba; Florencia Romano, docente en la Universidad del Cine de Buenos Aires y crítica en diversos medios, entre ellos La Vida Útil; Matías Piñeiro, de los cineastas más curiosos y cinéfilos que ha dado el cine argentino contemporáneo, un favorito de la revista; y Enrique Bellande, otro de los cineastas más cinéfilos de nuestro país, también favorito de La Vida Útil y, además, el mejor distribuidor de libros del universo.

Selección de Juan José Gorasurreta

ORG

(ORG, Italia, 1979, Digital, 177’, AM18)
Dirección: Fernando Birri. Con Terence Hill, Lidija Juracik.

Inspirada por una vieja leyenda hindú, la película explora la compleja relación entre el espíritu, el cuerpo y la mente.

Selección de cortometrajes dirigidos por Alice Guy

(67’)

. El hada de los repollos (La Fee aux Choux, 1896, 59″)
. Ataque sorpresa en una casa al amanecer (Surprise d’une maison au petit jour, 1898, 52”)
. Cirugía de fin de siglo (Chirurgie fin de siècle, 1900, 2’39”)
. Matrona de primera clase (Sage-femme de première classe, 1902, 5’13”)
. Serpentina. Danza excéntrica (Danse Excentrique per Lina Esbrard, 1902, 1’41”)
. El gallo adiestrado (Le coq dressé de Cook et Rilly, 1905, 2’23”)
. La mujer con antojos (Madame a des envies, 1906, 5’10”)
. Las consecuencias del feminismo (Les résultats du feminisme, 1906, 7’54”)
. Una historia rodante (Une histoire roulante, 1906, 2’10”)
. La carrera de salchichas (Course a la saucisse, 1907, 4’56”)
. Nacimiento, vida y muerte de Cristo (La vie du Christ, 1906, 33’17”)

Selección de Matías Piñeiro

Carmen vuelve a casa

(Karumen kokyô ni kaeru, Japón, 1951, Digital, 86’, AM18)
Dirección: Keisuke Kinoshita. Con Hideko Takamine, Shûji Sano.

Carmen regresa de visita a su pueblo natal tras haberse mudado a Tokio, unos años atrás, en contra de los deseos de su padre. Convertida en una gran artista, una especie de celebridad, la gente del pueblo ignora a qué se dedica exactamente.

El Emperador de Roma

(L’imperatore di Roma, Italia, 1988, Digital, 90’, AM18)
Dirección: Nico D’Alessandria. Con Gerardo Sperandini, Nadia Haggi.

Un adicto a las drogas escapa de su miseria una noche reviviendo la fundación de Roma e imaginando que es el Emperador.

Selección de Florencia Romano

Into the Picture Scroll: The Tale of Yamanaka Tokiwa

(Yamanaka Tokiwa: Ushiwakamaruto tokiwa gozen hahato kono monogatari, Japón, 2004, Digital, 100’, AM18)
Dirección: Sumiko Haneda. Con Michie Kita, Toyotake Rosetayu.

Transposición fotograma a fotograma del famoso pergamino japonés de 150 metros, que cuenta la historia de un hijo que intenta vengar la muerte de su madre, al celuloide.

Museum Hours

(Museum Hours, Austria/EE.UU., 2012, Digital, 107’, AM18)
Dirección: Jem Cohen. Con Mary Margaret O’Hara, Bobby Sommer.

El museo de Historia del Arte de Viena es el escenario de un relato de encuentros entre dos cincuentones solitarios. Se trata de un guardia del museo, Johann, y una mujer canadiense, Anne, que llega para cuidar de una prima en estado de coma. Esta proyección es posible gracias a la colaboración de Cinema Guild.

Buenos Aires I

(Buenos Aires I, Argentina, 1990, Digital, 27’, AM18)
Dirección: Rafael Filippelli. Con Juan Carlos Portantiero, Oscar Terán, Daniel Samoilovich.

Combinación libre de documental con ensayo y ficción para indagar por los subsuelos porteños.

Selección de Enrique Bellande

El salón de música

(Jalsaghar, India, 1958, Digital, 100’, AM18)
Dirección: Satyajit Ray. Con Chhabi Biswas, Gangapada Basu.

Principios del siglo XX. En un palacio de Bengala, un terrateniente, al oír la música de la fiesta que celebra su arrogante vecino con motivo de la iniciación de su hijo, recuerda el gran recital que organizó con motivo de la de su propio hijo, así como los importantes acontecimientos que sucedieron después en su vida.

El secuestrador

(El secuestrador, Argentina, 1958, 16mm, 75’, AM18)
Dirección: Leopoldo Torre Nilsson. Con María Vaner, Leonardo Favio.

Un grupo de personas que viven con lo mínimo indispensable en un barrio miserable tratan de sobrevivir en un mundo en el que parece no haber lugar para ellos. Con un tono crudo y realista, la historia retrata sus tragedias cotidianas, sus amores, sus luchas diarias y sus modos de subsistencia.

Más quel mundo

(Más quel mundo, 2004, 35mm, 12′, ATP)
Dirección: Lautaro Núñez de Arco.

Conocer a la chica de tus sueños puede acarrear dolorosas consecuencias.

¡Tenemos una gran sorpresa para compartirles! Una novedad editorial muy especial que tiene mucho que ver con José Miccio, nuestro querido invitado vitalicio, presidente honorífico y, sobre todo, gran amigo. También está conectada con esta magnífica película de Adolfo Aristarain que tendremos el privilegio de proyectar en 35 mm, gracias a la generosidad de Fernando Martín Peña. ¡Pronto les revelaremos todos los detalles!

La ley de la frontera

(La ley de la frontera, Argentina, 1995, 35mm, 115’, AM18)
Dirección: Adolfo Aristarain. Con Pere Ponce, Aitana Sánchez-Gijón.

Año 1900. En ambos lados de la frontera gallego-portuguesa nacen dos niños: João es portugués y está destinado a vestir hábitos; mientras que Xan es gallego y le espera trabajar duro como su padre. Veintitantos años después los dos huyen de sus respectivos destinos y sus vidas se reencuentran en la frontera, sucediéndoles numerosas aventuras.

¡Bienvenidxs a la trasnoche XXL de la Semana Mundial de la Cinefilia! Hemos armado un programa repleto de extrañas delicias para pasar la noche entera dentro del cine. Primer acto: una especie de remake catalana de Todos nos llamamos Alí o La angustia corroe el alma de Fassbinder, en clave de comedia-melodrama-musical. Segundo acto: un noir francés desobediente y nocturno, protagonizado por Catherine Deneuve y Bernadette Lafont como dos prostitutas que circulan por una París alucinada. Y, para el tercer y último acto, una secreta joya del bajo presupuesto estadounidense (producida por Roger Corman, faltaría más), una película con fugitivas, carreteras, robos de banco y todo aquello que solo el mejor cine de explotación puede entregarnos. Aseguramos que nadie se dormirá en las butacas.

Primera sesión: Reír, cantar, tal vez llorar (Marc Ferrer, España, 2024)

Segunda sesión: Zig Zig

(Zig Zig, Francia, 1975, Digital, 89’, AM18)
Dirección: László Szabó. Con Catherine Deneuve, Bernadette Lafont.

Marie y Pauline comparten el mismo apartamento, el mismo número en un cabaret de París, los mismos ingresos, pero una sórdida historia de secuestros pone en peligro su asociación.

Tercera sesión: Mujeres dinamita

(The Great Texas Dynamite Chase, EE.UU., 1976, Digital, 90’, AM16)
Dirección: Michael Pressman. Con Claudia Jennings, Tara Strohmeier.

Dos chicas sensuales roban un banco en Texas durante una borrachera.

La Cineteca Nacional de Chile está viviendo un gran momento y la consecuencia directa es la aparición en el panorama actual de muchas películas y cineastas de su pasado completamente desconocidas para la mayoría de los no chilenos del mundo. Parte de ese florecimiento tiene que ver con Marcelo Morales, gran cinéfilo que ahora dirige la institución. Marcelo nos visitará durante la semana y nos traerá tres programas con películas cortas y largas, consagradas y secretas, de algunos de los cineastas más importantes que ha dado Chile: Raúl Ruiz, Miguel Littin, Valeria Sarmiento, Marilú Mallet y Angelina Vázquez Ribeiro.

Abastecimiento

(Abastecimiento, Chile, 1973, Digital, 15’, AM18)
Dirección: Raúl Ruiz.

Mientras explora el desabastecimiento en Chile durante el gobierno de la Unidad Popular, Abastecimiento sigue la acción de un ministro, una dueña de casa burguesa y un grupo de la JAP (Juntas de Abastecimiento y Precios), creado para enfrentar la crisis.

Sotelo

(Sotelo, Chile, 1976, Digital, 15’, AM18)
Dirección: Raúl Ruiz. Con Raúl Sotomayor Sotelo.

Documental sobre el pintor chileno Raúl Sotomayor Sotelo.

Película sorpresa

(65’)

Amuhuelai-mi

(Amuhuelai-mi, Chile, 1972, Digital, 11’, AM18)
Dirección: Marilú Mallet.

El título significa en español «Ya no te irás». Se trata de un documental que muestra la inserción del pueblo mapuche en asentamientos urbanos, como Santiago. También se les muestra en sus territorios, cercanos a Temuco, y se reflejan las dificultades y malos tratos que padecen.

Un sueño como de colores

(Un sueño como de colores, Chile, 1973, Digital, 10’, AM18)
Dirección: Valeria Sarmiento.

Documental sobre un grupo de mujeres que trabajan haciendo streaptease.

Gracias a la vida (o la pequeña historia de una mujer maltratada)

(Gracias a la vida (o la pequeña historia de una mujer maltratada), Finlandia/Chile, 1980, Digital, 48’, AM18)
Dirección: Angelina Vázquez Riveiro. Con Carmen López, Eduardo Bravo, Riika Jeminem, Anita Mikkonen.

La historia de una refugiada chilena, marcada por la prisión y la tortura, ilustra la tragedia sufrida por las víctimas de la violencia en América Latina, durante los años de la dictadura.

El chacal de Nahueltoro

(El chacal de Nahueltoro, Chile, 1969, Digital, 88’, AM18)
Dirección: Miguel Littin. Con Nelson Villagra, Shenda Román.

Basado en un suceso real acaecido en la región sureña de Chillán en 1960, relata la historia de un campesino analfabeto que, en estado de embriaguez, asesinó a la mujer con quien mantenía relaciones y a sus cinco hijas.

En esta edición de la Semana Mundial de la Cinefilia descubriremos las películas de Luis Saslavsky, uno de los directores más originales del cine argentino. Con una carrera que abarcó desde los años 30 hasta los 60, Saslavsky —director, guionista y ocasional actor— navegó entre el melodrama, la comedia, el thriller psicológico y el cine noir con una mirada propia, marcada por un estilo barroco y una sensibilidad cercana al realismo poético francés. A través de cuatro películas, entre ellas Historia de una noche (1941) y Vidalita (1949), podremos apreciar su singularidad. Formado en la tradición europea pero enormemente influenciado por el cine de Hollywood, evitó los caminos del realismo costumbrista para explorar las grietas de la moral burguesa y los laberintos del deseo. Según las palabras de Fernando Martín Peña: «Saslavsky filmaba como un pintor meticuloso: cada encuadre era un juego de luces y sombras, cada diálogo una doble intención. Sus personajes, atrapados entre el deber y la transgresión, parecen salidos de una novela de Dostoievski adaptada al Río de la Plata». Este ciclo revela cómo un director supo crear desde el centro del sistema de estudios local un estilo personal donde convivían Hollywood y el tango, Sternberg y los dramas rurales. Copias en 35 y 16mm, cortesías del Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken y la Filmoteca Buenos Aires.

Historia de una noche

(Historia de una noche, Argentina, 1941, 35mm, 92’, AM18)
Dirección: Luis Saslavsky. Con Santiago Arrieta, Sabina Olmos.

Un hombre regresa a su pueblo después de un largo tiempo y se encuentra con su exnovia, ahora casada con un esposo en situación económica desesperada.

Ceniza al viento

(Ceniza al viento, Argentina, 1942, 16mm, 98’, AM18)
Dirección: Luis Saslavsky. Con Berta Singerman, Olinda Bozán.

Las noticias aparecidas en un periódico sirven de base a varias historias.

Vidalita

(Vidalita, Argentina, 1949, 16mm, 98’, AM18)
Dirección: Luis Saslavsky. Con Mirtha Legrand, Narciso Ibáñez Menta.

Vidalita es una joven sin familia cercana que pasa a ser acogida por un tío que vive en el campo. Sin embargo, su tío nunca la ha conocido y, además, cree que en vez de sobrina tiene un sobrino. Para poder cumplir con las expectativas de su tío y sobrevivir, decide hacerse pasar por un hombre.

El loco Serenata

(El loco Serenata, Argentina, 1939, 16mm, 80’, AM18)
Dirección: Luis Saslavsky. Con Pepe Arias, Alita Román.

La historia de un vagabundo violinista, un médico sinvergüenza, pistoleros y un amor imposible.

Durante los años 70 hubo en todo el mundo un movimiento desarticulado y furioso hacia un cine desbordado, hecho con sus propios medios y sus propias reglas. Este movimiento no fue alineado y, sin embargo, muchas de sus películas parecen hermanas, sobre todo las latinoamericanas. Mirando los movimientos inmediatamente anteriores (las nuevas olas y el cine militante), estas películas no siempre van contra ellas, pero siempre las reescriben en su propia ley: sin pacaterías y muy apoyadas en ideas nuevas sobre los viejos géneros para leer su presente. Recorremos tres casos de lo que podríamos llamar “internacional basurera”, en honor a su versión brasileña, la boca do lixo. Un musical prostibulario de Julio Ludueña en Argentina, un melodrama queer desfigurado hecho en París por el dominicano Jean-Louis Jorge y un thriller brasileño de burdel secreto. 

La civilización está haciendo masa y no deja oír

(La civilización está haciendo masa y no deja oír, Argentina, 1974, 35mm, 95’, AM18)
Dirección: Julio Ludueña. Con Irma Brandeman, Carlos Del Burgo.

Las prostitutas de una casa de citas, hartas de ser explotadas, deciden rebelarse en contra de sus proxenetas y hacen una huelga. 

Melodrama

(Mélodrame, Francia, 1976, Digital, 90’, AM18)
Dirección: Jean-Louis Jorge. Con Martine Simonet, Vincente Criado.

Inspirado en los romances en escena de Pola Negra y Rudolph Valentino, un actor muy narcisista se obsesiona con el personaje que tiene que interpretar, el de un gran amante.

A Rainha Diaba

(A Rainha Diaba, Brasil, 1974, Digital, 100’, AM18)
Dirección: Antonio Carlos da Fontoura. Con Milton Gonçalves, Odete Lara.

En el cuarto de atrás de un burdel, Rainha Diaba controla el tráfico de drogas de la ciudad con mano de hierro. Para evitar la detención de uno de sus compinches, decide crear un chivo expiatorio forjando un villano peligroso y para luego entregarlo a la policía. Pero no todo va según lo previsto.

Fernando Martín Peña se vuelve a desencadenar en esta edición de la SMC. Esta vez le pedimos una condición: que las películas sean en Cinemascope. ¿Cuáles son? Solo los que vegan tendrán la alegria sin fin de descubrirlas.

La entrada Programación Completa – 6SMC se publicó primero en La vida útil.

La Semana Mundial de la Cinefilia es una muestra anual producida desde 2019 por la revista argentina La Vida Útil en el Cineclub Municipal Hugo del Carril, ubicado en la ciudad de Córdoba. Su objetivo es celebrar en comunidad dos aspectos fundamentales de la vida: las películas y las conversaciones.

El martes 10 de diciembre, a las 20:00 horas, la sesión de apertura presenta una obra maestra desconocida del maestro italiano Luigi Comencini: La Maleta de los Sueños. Estrenada en 1953, la película narra la historia de un viejo actor del cine mudo que se gana la vida proyectando películas destinadas a la destrucción. El domingo 15 de diciembre, a las 20:30 horas, la sesión de clausura presenta una proyección en 35mm de Falsa Loura, el último largometraje del director brasileño Carlos Reichenbach, estrenado en 2007.

La edición brasileña del evento marcará el cierre de la programación regular de 2024 de la Cinemateca Capitólio.

La Selección Oficial presentará tres programas dobles elaborados por programadores invitados, inspiradas en un hito del punk argentino, el álbum Si el placer es un pecado… bienvenidos al Infierno de la banda Flema.

El diálogo entre las cinematografías argentinas y brasileñas es la tónica de esta edición: veremos, lado a lado, cortometrajes esenciales de las directoras pioneras Helena Solberg, de Brasil, y Eva Landeck, de Argentina; películas noir producidas en ambos países; y dos largometrajes de un gran maestro argentino que fue protagonista de la historia del cine en ambos territorios: Carlos Hugo Christensen.

La amistad también se celebra con obsequios: una película sorpresa con la participación de Odete Lara, será proyectada en 35mm, como cortesía del Museo del Cine de Buenos Aires. Vento Norte, de Salomão Scliar, el primer largometraje de ficción del cine sonoro producido en Río Grande del Sur, será proyectado en el mismo formato, con la copia en 35mm preservada en el Museu da Comunicação Hipólito José da Costa, institución socia de la Cinemateca Capitólio.

En el foco Hoteles japoneses, un recorrido por la historia del cine japonés revela la presencia de los hoteles en obras realizadas en diferentes épocas por Yasujiro Ozu, Hiroshi Shimizu, Mikio Naruse, Chusei Sone y Shinji Sômai.

Para completar la semana de alegría cinéfila, la programación presentará la edición 300 del Proyecto Raros, la sesión más tradicional de la cinefilia de Porto Alegre, iniciada en 2003 en la Sala P. F. Gastal de la Usina do Gasômetro. La maratón festiva comenzará la noche del viernes 13, a las 23:59, con la proyección de la copia restaurada del largometraje de culto brasileño Onda Nova, de José Antônio García e Ícaro Martins, y continuará hasta la mañana del sábado con películas que narran historias insólitas, peligrosas y pintorescas en el mundo del cine.

APERTURA Y CIERRE

LA MALETA DE LOS SUEÑOS
(Itália, 1953, Digital, 84’)
Dirección: Luigi Comencini
Clasificación: libre (Subtítulos en portugués)

Ettore Omeri, un antiguo actor de cine mudo, sobrevive gracias a las proyecciones de películas que salva de la destrucción. Pero no todos comparten su pasión por el cine antiguo.

FALSA RUBIA
(Brasil, 2007, 35mm, 107’)
Dirección: Carlos Reichenbach
Clasificación: 16 años (Subtítulos en inglés)

Silmara es una hermosa obrera que mantiene a su padre, el ex-presidiario Antero, con quien trata de mantener una relación amigable. La profesora de danza Regina y la tímida compañera de fábrica Briducha son sus amigas. Las tres van al show del grupo Bruno y los Andrés, donde Silmara conoce a Bruno, el ídolo de la banda, y se involucra con él. Silmara se convierte en el sueño de sus amigas, ya que representa la oportunidad de un rápido ascenso social.

SELECCIÓN OFICIAL

ELOÍSA SOLAAS Y JUAN BIANCHINI

PROGRAMA 1

LA VIDA DE UN HOMBRE ENAMORADO

(Kôshoku ichidai otoko)

Japón, 1991, Digital, 55′

Calificación indicativa: 18 años [subtítulos en portugués]

Basada en parte en la novela homónima de 1682 de Ihara Saikaku, la primera de muchas relacionadas con los distritos del placer, narra las aventuras eróticas de su héroe, Yonosuke, un niño precoz que comenzó su experiencia sexual a los seis años y, hasta los 61, se acostó con cientos y miles de hombres y mujeres. En su madurez, Yonosuke decide ayudar al torpe Juzo, que por una cruel apuesta debe acostarse con Komurasaki, la cortesana más famosa de Edo, y conseguirle una primera cita, hazaña que roza lo imposible. Esta historia se entrelaza con flashbacks de la vida amorosa de Yonosuke. Visualmente, la película rinde homenaje a la estética del periodo Edo, con animaciones inspiradas en los grabados hanga. La película combina belleza visual, erotismo y simbolismo, representando la libertad sexual y artística que definía al Japón de la época.

L.A. PLAYS ITSELF

EUA, 1972, Digital, 55’

Direção: Fred Halsted

Classificação indicativa: 18 anos [Legendas em português]

Un cartel de Los Ángeles que evoca una época lejana de su crecimiento. La escena se traslada a los cañones de Malibu, mientras una narración graba una conversación en la que Halsted defiende la ciudad de un crítico extranjero. Con música de koto, un encuentro sexual junto a un arroyo es interrumpido por excavadoras, símbolos del desarrollo urbano que arrasan con los refugios idílicos. En la segunda parte, el filme explora una relación oscura: un joven vaquero recién llegado de Texas es seducido, atado y sometido por Fred Halsted en una escena cruda y fragmentada. La narrativa, entrelazada con imágenes de una Hollywood decadente de los años 70, hippies y encuentros callejeros, combina edición no lineal y planos llenos de realismo: más calle que glamour, más vida real que fantasía.

PROGRAMA 2

UNA CHICA DECENTE
(Ein anständiges Mädchen)
Alemania Occidental, 1968, Digital, 10’
Dirección: Peter Hajek, Klaus Lemke
Clasificación indicativa: 18 años [Subtítulos en portugués]

Tres personajes juegan entre el ensayo y la ficción, divulgando sus soliloquios. Mónica, entre revistas descartadas y pósteres de James Bond, tiene una revelación: le gustaría ser hombre, o al menos estar con un hombre rico. El sofisticado Peter dirige, en una rara divagación sobre tener hijos. Klaus, fuera de la línea, fuma entre dos chicas mientras sueña con su propia cocina y cama. Se encuentran. Mónica deja a Klaus y se queda con Peter. Klaus se va pensando que aún existen chicas decentes.

ROCKER
Alemania Occidental, 1975, Digital, 85’
Dirección: Klaus Lemke
Clasificación indicativa: 18 años [Subtítulos en portugués]

La subcultura de los motociclistas en Hamburgo, a principios de los años 70. Explorando temas de rebeldía y libertad, la popular película televisiva ofrece una visión auténtica de la vida de los jóvenes marginalizados de la época, temidos y vistos como salvajes vestidos de cuero. Incluyendo referencias a los clásicos Easy Rider (1969) y The Wild One (1953), Lemke trabajó con personas de la escena real, creando una obra de género impregnada de colores locales vibrantes, dejando el registro de un lenguaje que ya no existe.

JULIANA COSTA E LUCÍA SALAS

LOS HOMBRES QUE TUVE
Brasil, 1973, Digital, 80’
Dirección: Tereza Trautman
Clasificación indicativa: libre [Subtítulos en inglés]

Pitty y Dode han estado juntos durante cuatro años y mantienen una relación abierta en la que las relaciones extramaritales son plenamente aceptadas con consentimiento mutuo. Aún así insatisfecha, Pitty se aleja de Dode para seguir su propio camino. Realizada por Tereza Trautman cuando tenía solo 22 años, la película fue prohibida por la dictadura militar brasileña debido a su contenido sexual y feminista. Se presenta en una nueva copia digital restaurada por la Cinemateca Brasileira.

NO QUIERO SER UN HOMBRE
(Ich möchte kein Mann sein)
Alemania, 1918, Digital, 45’
Dirección: Ernst Lubitsch
Clasificación: libre (Subtítulos en portugués)

La joven malcriada Ossi se disfraza de hombre para escapar de su tutor y su institutriz. En esta provocativa comedia, Lubitsch juega con los estereotipos de género y los roles sexuales. Protagonizada por la actriz Ossi Oswalda, considerada en la época la «Mary Pickford alemana».

PEDRO HENRIQUE GOMES E YASMIN BORGES

ARREBATO
España, 1979, Digital, 115’
Dirección: Iván Zulueta
Clasificación indicativa: 18 años [Subtítulos en portugués]

Un inmersión alucinante en la obsesión y el poder hipnótico del cine. José, un cineasta desilusionado, recibe una cinta de audio y algunos rollos de película enviados por Pedro, un amigo excéntrico y enigmático. Intrigado, descubre que Pedro ha experimentado fenómenos inexplicables con sus grabaciones: una fuerza misteriosa parece estar tomando control de su vida a través de las imágenes en movimiento. A medida que José se involucra en el misterio, la realidad y la fantasía se confunden, llevándolo a un enfrentamiento aterrador con el poder devorador del cine y sus propias limitaciones. Arrebato es una obra fascinante, perturbadora y singular sobre la creación, la adicción y el impacto visceral de las imágenes.

TRAVOLTA Y YO
(Travolta et moi)
Francia, 1993, Digital, 60’
Dirección: Patricia Mazuy
Clasificación indicativa: 16 años [Subtítulos en portugués]

A finales de los años 70, en una pequeña ciudad del interior de Francia, Christine, una adolescente tímida y soñadora, se ve atrapada por la fiebre del baile que explota con Fiebre del Sábado Noche. Fascinada por el carisma de John Travolta, encuentra en la pista de baile un espacio para explorar su identidad y desafiar las normas opresivas de la sociedad local. Al acercarse a Nicolas, un joven misterioso y apasionado por la música, Christine se sumerge en un viaje de autodescubrimiento, donde los sueños y deseos se mezclan en una narrativa sobre la juventud, la libertad y la búsqueda de lo extraordinario en medio de la banalidad.

HELENA Y EVA

LA ENTREVISTA
Brasil, 1966, Digital, 20’
Dirección: Helena Solberg
Clasificación indicativa: 12 años [Subtítulos en español]

Rodado en 16mm, La Entrevista fue filmado en 1964, año que marcó el inicio del golpe militar en Brasil, y lanzado dos años después, en el auge del movimiento Cinema Novo. El cortometraje de 19 minutos es el resultado de entrevistas realizadas con varias mujeres entre 19 y 27 años de edad de la clase media alta. Las entrevistadas hablan sobre el matrimonio, el sexo, la virginidad, la fidelidad, la felicidad, el trabajo y los roles sociales que se les atribuyen o imponen a las mujeres.

MEDIODÍA
Brasil, 1970, Digital, 10’
Dirección: Helena Solberg
Clasificación indicativa: 12 años [Subtítulos en español]

Filmado en 35mm en São Paulo, durante uno de los momentos más social y políticamente represivos de la dictadura militar brasileña, Mediodía es el primer filme de ficción de Helena Solberg. Reminiscente de Zero de conducta de Jean Vigo y de Los incomprendidos de François Truffaut, el filme retrata la revuelta de un grupo de niños en su escuela diurna.

HORAS EXTRA
Argentina, 1967, Digital, 17’
Dirección: Eva Landeck
Clasificación indicativa: 12 años [Subtítulos en portugués]

Buenos Aires, década de 1960. Un joven alienado que todavía vive con sus padres y hermanos regresa cansado del trabajo y descubre que su cama está ocupada por visitantes.

EL EMPLEO
(El Empleo)
Argentina, 1970, Digital, 25’
Dirección: Eva Landeck
Clasificación indicativa: 12 años [Subtítulos en portugués]

Inés recibe una notificación sobre una vacante urgente en una empresa. Sale de casa inmediatamente, pero el metro se descompone y tiene que continuar su jornada a pie por el túnel oscuro. Sin darse cuenta, la joven entra en una aventura de proporciones extraordinarias.

SOUVENIR

MEMORIA
Brasil, 1990, 35mm, 14’
Dirección: Roberto Henkin
Clasificación indicativa: 12 años

En Brasil, las copias de películas pueden ser exhibidas durante 5 años, después son destruidas. Una fábrica en São Paulo utiliza copias de películas como materia prima para la fabricación de escobas. Después de 25 años alejado de la vida pública, Jânio Quadros vuelve a ser elegido alcalde de São Paulo. 1989 es un año decisivo para Brasil: las primeras elecciones presidenciales directas en tres décadas. Algunos candidatos son nuestros viejos conocidos. Pero nadie recuerda lo que ocurrió la última vez.

VIENTO NORTE
Brasil, 1951, 35mm, 75’
Dirección: Salomão Scliar
Clasificación indicativa: 12 años

La ardua lucha diaria de los pescadores de la costa atlántica, involucrados en una violenta tragedia bajo la extraña presión de un viento que sopla desde el norte y que trae consigo la miseria, reacciones violentas, transformando a los hombres simples del mar en figuras guiadas por el instinto primario de la venganza y el odio. Es el primer largometraje de ficción sonora producido íntegramente en Rio Grande do Sul.

FILME SURPRESA

Argentina, 1960, 35mm, 103’

HOTELES JAPONESES

DÍAS DE JUVENTUD

(Gakusei romance: Wakaki hi)

Japón, 1929, Digital, 103′

Dirección: Yasujiro Ozu

Clasificación indicativa: 12 años [subtítulos en portugués]

Watanabe y Yamamoto, dos amigos de la universidad, compiten por la atención de la misma chica. Es la película más antigua de Ozu que ha sobrevivido al paso del tiempo.

GRAPA ORNAMENTAL

(Kanzashi)

Japón, 1941, Digital, 75′

Director: Hiroshi Shimizu

Calificación indicativa: 12 años [subtítulos en portugués]

La sencilla historia de amor de una chica y un soldado unidos por una horquilla perdida.

NUBES DISPERSAS

(Midaregumo)

Japón, 1967, Digital, 107′

Director: Mikio Naruse

Clasificación indicativa: 12 años [subtítulos en portugués]

El funcionario Eda Hiroshi ha sido ascendido y su mujer, Yumiko, está embarazada. La felicidad de la pareja parece asegurada, pero un accidente lo cambiará todo. El último largometraje de Mikio Naruse.

TRIPAS DE ÁNGEL: HABITACIÓN ROJA

(Tenshi no harawata 2: Akai kyôshitsu)

Japón, 1979, 78′, Digital, 1979

Director: Chûsei Sone

Clasificación indicativa: 18 años [subtítulos en portugués]

Muraki Tetsur, editor de una pequeña revista pornográfica, está de vacaciones cuando ve una impactante película porno. El realismo de la película de 8 mm, que muestra la violación en grupo de una profesora por parte de un grupo de alumnos, perturba a Muraki, que se obsesiona por descubrir la verdad que se esconde tras la cinta.

LOVE HOTEL

(Rabu Hoteru)

Japão, 1985, Digital, 88’

Direção: Shinji Sômai

Classificação indicativa: 18 anos [Legendas em português]

Cuando la pequeña editorial de Tetsuro Muraki quiebra, éste ve cómo su esposa Ryoko es violada por hombres de la yakuza como consecuencia de sus deudas, y sucumbe a la desesperación. Contrata a una prostituta, Nami, y la aterroriza con sus intenciones homicidas y suicidas.

PROJETO RAROS 300

ONDA NOVA
Brasil, 1983, Digital, 98’
Dirección: José Antônio Garcia, Ícaro Martins
Clasificación indicativa: 16 años [Subtítulos en inglés]

Las historias de las jugadoras del Gayvotas Futebol Clube, un equipo femenino formado en 1983, durante la dictadura militar, año en que el deporte fue regulado para las mujeres en Brasil, después de haber sido prohibido durante cuatro décadas. Con el apoyo de renombrados jugadores de la época, como Casagrande, Pita y Wladimir, enfrentan los prejuicios de una sociedad conservadora. Paralelamente, lidian con problemas personales y se preparan para un simbólico partido internacional contra la selección italiana. Onda Nova – Gayvotas Futebol Clube fue restaurado y remasterizado en 4K por Julia Duarte, Aclara Produções Artísticas y la familia de José Antonio Garcia, con la colaboración de la Cinemateca Brasileira/SAC – Sociedade de Amigos da Cinemateca, Zumbi Post y JLS Facilidades Sonoras.

CRIME WAVE
Canadá, 1985, Digital, 80’
Dirección: John Paizs
Clasificación indicativa: 16 años [Subtítulos en portugués]

Un joven director que pretende hacer “la mejor película policial a todo color de todos los tiempos” sufre un bloqueo creativo y no puede terminar su guion. Entusiasmada por tener a una verdadera persona del cine viviendo cerca, la hija del arrendador de su apartamento intenta ayudarlo.

DRIVE-IN
EE.UU., 1976, Digital, 96’
Dirección: Rod Amateau
Clasificación indicativa: 16 años [Subtítulos en portugués]

Las aventuras de un grupo de adolescentes en un cine drive-in en Texas durante una noche de fin de semana.

CHRISTENSEN BRASIL Y ARGENTINA

NUNCA ABRAS ESSA PORTA
(No abras nunca esa puerta)
Argentina, 1952, Digital, 85’
Dirección: Carlos Hugo Christensen
Clasificación indicativa: 16 años [Subtítulos en portugués]

Dos episodios separados que tienen en común la puerta que separa el bien del mal. En el primer segmento, “Alguien en el teléfono”, Ángel Magaña intenta vengar la muerte de su hermana, una joven que se suicida debido a las deudas de juego. En el segundo, “El colibrí vuelve a casa”, Roberto Escalada es un exconvicto que silba cuando comete crímenes, y regresa a la casa donde su madre ciega lo espera, creyendo que él se ha regenerado.

O MENINO E O VENTO
(El niño y el viento)
Brasil, 1967, 35mm, 100’
Dirección: Carlos Hugo Christensen
Clasificación indicativa: 16 años [Subtítulos en inglés]

Un joven ingeniero pasa sus vacaciones en una ciudad provincial y conoce a un niño obrero. El intenso vínculo que surge entre ambos es visto de manera maliciosa por la población local.

O HOMEM SENSORIAL
(El hombre sensorial)
Brasil, 2013, Digital, 15’
Dirección: Eugenio Puppo
Clasificación indicativa: 16 años

Gunnar intenta establecer una relación con la naturaleza del lugar que habita, pero una inesperada visita altera el curso de las cosas. Protagonizado por Ênio Gonçalves, el actor principal de El niño y el viento, este cortometraje utiliza fragmentos de la obra de 1967 y establece diálogos inesperados con el cine de Carlos Hugo Christensen.

NOIR CRIOLLO VERSUS NOIR CABOCLO

A BESTA DEVE MORRER
(La bestia debe morir)
Argentina, 1952, Digital, 95’
Dirección: Román Viñoly Barreto
Clasificación indicativa: 16 años [Subtítulos en portugués]

Cuando su hijo es atropellado por un coche, un escritor de misterios se empeña en vengar su muerte y se embarca en la búsqueda del asesino. Adaptación de la novela policial de Cecil Day-Lewis, que también fue llevada al cine en la década de 1960 por el director francés Claude Chabrol.

VENENO
Brasil, 1952, Digital, 76’
Dirección: Gianni Pons
Clasificación indicativa: 16 años [Subtítulos en español]

Hugo es un empleado de una industria de vidrio que está enamorado de su esposa Gina. Pero tiene pesadillas en las que se ve matando a su esposa y siendo interrogado por un implacable delegado de policía. Una obra representativa de la Companhia Vera Cruz, protagonizada por Anselmo Duarte, con fotografía de Edgar Brasil, quien trabajó en Limite (1931), de Mário Peixoto.

GRILLA DE PROGRAMACIÓN

10 de diciembre (terça-feira)

20h – A Maleta dos Sonhos (Luigi Comencini, 1953, 84 minutos)

11 de diciembre (quarta-feira)

15h30 – Hoteles japoneses: Nuvens Dispersas (Mikio Naruse, 1967, 108 minutos)

18h – Helena y Eva (A entrevista 19′, Horas extras 17′, Meio-dia 10′, O emprego 25′) + conversa sobre a programação

20h30 – Souvenir brasileiro: Memória (Roberto Henkin, 1990, 14 minutos) + Vento Norte (Salomão Scliar, 1951, 75 minutos) 35mm

12 de diciembre (quinta-feira)

15h – Hoteles japoneses: Grampo Ornamental (Hiroshi Shimizu, 1941, 75 minutos)

16h30 – Hoteles japoneses: Love Hotel (Shinji Somai, 1985, 88 minutos)

18h – SELECCIÓN OFICIAL: A Vida de um Homem Amoroso (Yukio Abe, 1991, 55 minutos) + L.A. Plays Itself (Fred Halsted, 1972, 55 minutos)

20h30 – SELECCIÓN OFICIAL: Uma Menina Decente (Klaus Lemke, Peter Hajek, 1968, 10 minutos) + Rocker (Klaus Lemke, 1972, 86 minutos)

13 de diciembre (sexta-feira)

15h – Hoteles japoneses: Dias de Juventude (Yasujirô Ozu, 1928, 104 minutos)

17h – Hoteles japoneses: Tripas de Anjo: Sala Vermelha (Chûsei Sone, 1979, 76 minutos)

18h30 – SELECCIÓN OFICIAL: Os Homens que Eu Tive (Tereza Trautman, 1973, 80 minutos)

20h30 – SELECCIÓN OFICIAL: Não Quero Ser Um Homem (Ernst Lubitsch, 1918, 45 minutos)

PROJETO RAROS 300

23h59 – Onda Nova (José Antônio Garcia e Ícaro Martins, 1983, 93 minutos)

02h – Crime Wave (John Paizs, 1985, 80 minutos)

04h – Drive-in (Rod Amateau, 1976, 96 minutos)

14 de diciembre (sábado)

15h – Noir criollo vs. Noir caboclo: A Besta Deve Morrer (Román Viñoly Barreto, 1952, 95 minutos)

17h – SELECCIÓN OFICIAL: Arrebato (Ivan Zulueta, 1979, 105 minutos)

19h – SELECCIÓN OFICIAL: Travolta e Eu (Patricia Mazuy, 1993, 60 minutos)

20h30 – Souvenir argentino: Sábado à Noite, Cinema (Fernando Ayala, 1960, 97 minutos) 35mm

15 de diciembre (domingo)

15h – Noir criollo vs. Noir caboclo: Veneno (Gianni Pons, 1952, 75 minutos)

16h30 – Christensen Argentino: Nunca Abras Essa Porta (Carlos Hugo Christensen, 1952, 85 minutos)

18h – Christensen Brasileiro: O Homem Sensorial (Eugenio Puppo, 2013, 15 minutos) + O Menino e o Vento (Carlos Hugo Christensen, 1967, 100 minutos) 35mm

20h30 – Encerramento: Falsa Loura (Carlos Reichenbach, 2007, 103 minutos) 35mm

SEMANA MUNDIAL DA CINEFILIA

10 a 15 de dezembro

Cinemateca Capitólio – Porto Alegre (RS)

Organizan: La Vida Útil e Cinemateca Capitólio

Apoyan: Museo del Cine de Buenos Aires Pablo Ducrós Hicken, Cineclub Hugo del Carril, Cinemateca Brasileira, Cinemateca do MAM-RJ, Museu da Comunicação Hipólito José da Costa, Heco Produções, Cineclube Academia das Musas.

La entrada Semana Mundial de la Cinefilia en Porto Alegre. Programación completa se publicó primero en La vida útil.

Estamos muy contentxs de comunicarles la programación de la 5ta Semana Mundial de la Cinefilia. Verán que es más ecléctica y desafiante que nunca: así lo piden tiempos como estos. Esperamos que puedan acercarse a esta fiesta que se arma en las salas y en los pasillos del Cineclub Municipal Hugo del Carril.

Las entradas saldrán $2200 para no socios, $200 para socios y el abono por toda la semana $7000 (¡dura todo el mes!).

SELECCIÓN OFICIAL – EL FIN Y EL PRINCIPIO

Como cada año, la selección oficial está conformada por programas dobles elegidos por nuestros queridxs invitadxs. Cada año una consigna nueva orienta la elección de las películas. En esta ocasión será “el fin y el principio”. Como en la maravillosa película de Eduardo Coutinho, el punto de partida es la relación entre dos formas de percibir un punto en una línea de tiempo.

LEANDRO LISTORTI

– Programa 1: El principio (67min)
Boleto cinematográfico I.N.C (7min, Argentina) + Crimen perfecto (Jorge Tabachnik, 1961, 20min, Argentina) + Backstage No toquen a la nena (Juan José Jusid, 1976, 40min, Argentina)
– Programa 2: El fin (80min)
Don Segundo Sombra (Enrico Gras, 1954, 10min, Argentina) + Mi prima Lidia (Nicolás Rubió, 1961, 70min, Argentina)

VERÓNICA BALDUZZI

– Programa 1: El fin
Bulky Refuse (Helke Misselwitz, 1990, 79min, Alemania, AM18). Con el apoyo del Goethe-Institut y DEFA Film Library at the University of Massachusetts Amherst.
– Programa 2: El principio
Poema del mar (Yuliya Solntseva, 1958, 95min, URSS, AM18)

LEONARDO BOMFIM Y JULIANA COSTA

– Programa 1: El fin y el principio del cine
Compasso de Espera (A compás de espera) (Antunes Filho, 1969/73, 93min, Brasil, AM18)
– Programa 2: El fin y/o el principio de un mundo
Filme Demência (Carlos Reichenbach, 1986, 92 min, Brasil, AM18)

NOCHES ITALIANAS

Nuestro maestro de ceremonias José Miccio abre y cierra esta edición de la SMC con dos películas italianas, gracias al inestimable apoyo del Istituto Italiano di Cultura di Cordoba. La primera de ellas, La resa dei conti, un spaghetti western pícaro-clasista de Sergio Sollima, es una historia de coyotes y correcaminos. Al final del festival vendrá L’aldila, la segunda de las películas que componen la trilogía de las puertas del infierno de Lucio Fulci. ¿Gore experimental? ¿Horror sinfónico? ¿Un cover sucio del cine de Argento? Una apuesta al todo por el todo, como el subtítulo indica: “Vivirás en el terror”.

La resa dei conti (Sergio Sollima, 1966, 105min, Italia, AM18)
L’aldila (Lucio Fulci, 1981, 86min, Italia, AM18)

FOCO CARLOS SCHLIEPER

No es ninguna novedad que Carlos Schlieper es uno de los grandes cineastas clásicos de nuestra historia. Sus comedias, el corpus más destacado de su obra, merecen ser vistas y revisitadas todas las veces que sean necesarias. En colaboración con el Museo del Cine, vamos a proyectar las más célebres en 16mm: será una fiesta. 

Cuatro corazones (1939, 80min, Argentina)
Esposa último modelo (1950, 86min, Argentina)
Los ojos llenos de amor (1954, 85 min, Argentina)
Arroz con leche (1950, 72min, Argentina)

PEÑA SIN CADENAS

Hace años que Fernando Martín Peña es en diferentes lugares e instituciones uno de los animadores de la cinefilia en Buenos Aires, con proyecciones en fílmico de películas de su acervo. En Hasta Trilce propone una experiencia particular: dos proyecciones sorpresa pero secretas, y quien vaya no podrá revelar qué ha visto a riesgo de que una maldición caiga sobre él. En esta Semana hará lo mismo, pero en nuestro querido Cineclub. Una cita imperdible. 

NUEVO CINE ARGENTINO LADO B

El Nuevo Cine Argentino de los años 90 tiene sus grandes exponentes y películas ya vistas y celebradas. Pero como a todo canon es posible proponerle un contra-canon, seleccionamos una serie de películas menos conocidas que pueden darnos una visión novedosa de la época, que parece volver insistentemente. Habrá cortos y largos, la mayoría proyectados en fílmico. 

El descanso (Rodrigo Moreno, Andrés Tamborino & Ulises Rosell, 2002, 95min, Argentina)
¿Sabes nadar? (Diego Kaplan, 2002, 89min, Argentina)
Tesoro mío (Sergio Bellotti, 1999, 93min, Argentina)
La expresión del deseo (Israel Adrián Caetano, 1998, 25min, Argentina)
Bajo la superficie (Pablo Spatola, 1995-2021, 11min, Argentina)

FOCO SARAH JACOBSON

Hechas como fanzines, urgentes, desprolijas y tan poderosas como el mejor de los gritos, las películas de Sarah Jacobson combinan el desparpajo de la clase-B con la estética riot grrrl de principios de los 90. Detonando los clichés de los retratos femeninos hechos por el cine mainstream, la pequeña obra punk de Jacobson nos revela una cineasta única, maldita en el mejor de los sentidos, del underground americano.

I Was a Teenage Serial Killer (1993, 27min, EE.UU., AM18)
Mary Jane’s Not a Virgin Anymore (1996, 95min, EE.UU., AM18)

CONTRIBUCIÓN A LA LUZ: CINEASTAS DE VANGUARDIA

Un pequeño recorrido por el entramado de poéticas, temáticas y sensibilidades varias que pusieron en escena algunas de las mejores cineastas de vanguardia. Del psicodrama animado al autorretrato, de la subjetividad intimista a la militancia política, en cada una de estas películas se exploran diversas formas de estar en el mundo, afirmando placeres, deseos y sexualidades que contribuyen a una nuevas formas de percepción.

A Portrait of Ga (Margaret Tait, 1952, 4min, Reino Unido, AM18)
Fuses (Carolee Schneemann, 1967, 29min, EE.UU., AM18)
Moon’s Pool (Gunvor Nelson, 1973, 15min, EE.UU., AM18)
Women I Love (Barbara Hammer, 1976, 23min, EE.UU., AM18)
Asparagus (Suzan Pitt, 1979, 20min, EE.UU., AM18)

FOCO MITCHELL LEISEN

Seguimos dedicando las siestas de la SMC a explorar la obra de cineastas clásicos algo relegados de los grandes cánones. Luego de Henry King, le toca el turno a Mitchell Leisen, gran todoterreno de la Paramount, que durante los 30 y 40 supo crear algunas de las más grandes películas del periodo. Desde la screwball comedy Midnight hasta el melodrama Hold Back the Dawn, sus películas demuestran un gran manejo visual (sus méritos como director de arte y vestuario para algunas películas de Cecil B. DeMille así lo evidencian) que muchas veces sirvió de excusa a sus detractores para acusarlo injustamente de “superficial”. Sin embargo, su cine destila una gracia y empatía que no abunda en sus contemporáneos, dos elementos claves del “toque Leisen” que en esta selección de cinco películas les invitamos a descubrir.

Hands Across the Table (1935, 80min, EE.UU., AM18)
Easy Living (1937, 88min, EE.UU., AM18)
Midnight (1939, 94min, EE.UU., AM16)
Remember the Night (1940, 94min, EE.UU., AM18)
Hold Back the Dawn (1941, 116min, EE.UU., ATP)

NOCHES ESPECIALES

Algunas de las películas contemporáneas que más nos entusiasmaron y que no han tenido la visibilidad que merecen. Con el apoyo de un festival amigo de la casa, el FestiFreak, les presentamos películas furiosamente independientes y apasionadamente populares, hechas desde la fascinación por los personajes y el deseo de contar historias. 

An Evening Song (For Three Voices) (Graham Swon, 2023, 86’, EE.UU., AM18)
Por la pista vacía (Pablo García Canga, 2022, 28’, España, AM18)
A Date in Minsk (Nikita Lavretski, 2022, 87min, Bielorrusia, AM18)

PRESENTACIÓN DEL LIBRO ‘MUMBLECORE. EXPLORACIONES SOBRE EL CINE INDEPENDIENTE NORTEAMERICANO‘

Nuestrxs amigxs de Taipei publicaron hace poco un libro esencial sobre el movimiento del mumblecore estadounidense, y no queríamos dejar de invitarlos para que nos cuenten sobre él, pensar qué podemos aprender y que nos sorprendan con una película bastante poco conocida de su historia. 

Tiger Tail in Blue (Frank V. Ross, 2012, 80min, EE.UU., AM18)

NOCHES ETERNAS

¿Están preparados para pasar toda una noche en el Cineclub? Veremos una película maratónica, de más de tres horas, desde la medianoche hasta la madrugada, sin pausas ni interrupciones. ¿El título? Por ahora, será una sorpresa…

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